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Los tupungatinos festejaron por las calles al ritmo de las murgas

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La actuación del grupo La Redoblante del Cordón resultó uno de los hechos más convocantes, dentro del programa de actos.

Gisela Manoni – gmanoni@losandes.com.ar

Los tupungatinos que salieron a las calles para celebrar su cumpleaños número 156, la tarde del sábado, no pudieron resistirse a su magia. Se movieron al ritmo de sus redoblantes, repiques y bombos; soñaron con los dibujos que sus banderas trazaron en el cielo y aplaudieron los malabares y cabriolas con los que iluminaron la calle Belgrano.

Hasta hace tres meses, la murga era un pedido a gritos de los jóvenes del distrito Cordón del Plata, ahora es una muestra de que el arte es capaz de sacar lo mejor de ellos.
‘La Redoblante del Cordón’ es una iniciativa artística que surgió de un grupo de amigos y compañeros de la escuela secundaria distrital Camilo Carvallo.

La urgencia inicial era armar una murga para tener una presencia notoria en la Semana Estudiantil tupungatina de setiembre. Pero cuando probaron un poco del disfrute y la camaradería murguera, ya no quisieron soltar ese proyecto.
En gran parte, los sembradores de tanta pasión fueron los profes Cristina Torrejón y Darío López. La pareja vivía en Godoy Cruz y hace dos años llegaron al Valle de Uco y terminaron instalándose en Tupungato. “Ya no nos vamos más. La tranquilidad, la gente, el paisaje… todo eso no se compara con la ciudad”, repiten entusiasmados.
Darío es malabarista y porta la experiencia de haber realizado su propia búsqueda expresiva integrando siete murgas de Mendoza; entre ellas Hijos del  Sol de Maipú, Ave Fénix de Godoy Cruz y Escaso de la Esquina del barrio Eva Perón.
Apenas llegaron a Tupungato se sumaron a la murga La Desarmada de la escuela artística 5-018. Allí, los fue a buscar el director de Educación del departamento, Oscar Carrizo, para invitarlos a encarar este desafío barrial que estaba en pañales.

“Ellos querían armar su murga . Todos le pusimos pilas y coraje y armamos un grupo buenísimo. Ninguno falta a un ensayo y hasta la familia nos espera en la placita del Cordón con mates y dispuestos a disfrutar de un tiempo murguero”, cuenta Cristina.
Lo cierto es que sin hacer propaganda el grupo comenzó a crecer y hoy suman más de 60 en el plantel estable. “Hicimos un poco de ruido y enseguida se empezó a integrar la gente del barrio. Tenemos desde niños de cuatro años hasta mayores de veinte”, suelta la profe, con alegría.
Que los chicos se enganchen con el arte callejero, que puedan expresar lo que son con música y baile, que se alejen de otras actividades que los perjudican es lo que valoran las familias del lugar.

Bastaron unas semanas, para que se formara la comisión de padres y se armaran rifas y bingos para comprar trajes e instrumentos. “Estamos muy comprometidos, queremos sumar textos y hasta algo de teatro”, apuntó la pareja.
En menos de tres meses, La redoblante del Cordón se ha vuelto muy famosa. Los contratan en cumpleaños de 15, en fiestas familiares y en distintos eventos sociales que surgen en el departamento.

El próximo viernes, participarán de un encuentro de coros y bandas infantiles para conmemorar la Convención de los Derechos del Niño en la plaza General San Martín de Tupungato.
Orgullosos con su trajes nuevos y sin perder la sonrisa, los casi 60 integrantes de esta murga tupungatina se lucieron el sábado en el desfile oficial.

Fueron uno de los tantos grupos artísticos, escuelas, asociaciones e instituciones que dieron su presente para celebrar los 156 años de este pueblo valletano.
Además del desfile cívico-militar por la calle Belgrano, principal del departamento; los tupungatinos celebraron su nuevo año de vida con una nutrida agenda cultural y deportiva.
Por las noches, el público valletano se congregó en el anfiteatro del Camping Municipal, del distrito El Peral. Los amantes de la movida festivalera y las familias en general disfrutaron de tres noches de grandes números artísticos. Además de las bandas locales, estuvieron artistas de la talla de Cacho Garay, Algarroba.com y la Bersuit Vergarabat.

http://www.losandes.com.ar/article/los-tupungatinos-festejaron-por-las-calles-al-ritmo-de-las-murgas

El hombre que convirtió su caminata por la Cordillera en obras de arte

Un dibujo en el Aconcagua. Parte de la obra de Long consiste en intervenir lugares naturales y fotografiarlos.

  • Mercedes Pérez Bergliaffa

 

El artista inglés Richard Long expone por primera vez en Buenos Aires Durante 18 días, el artista recorrió a solas los Andes mendocinos. Allí vio, sintió, dejó huellas y sacó fotos.

 

Impacta ver al histórico artista inglés Richard Long trabajar concentrado en sus obras como un monje ermitaño a pocos metros del microcentro porteño, en medio de las salas del Faena Arts Center. Y quizás verdaderamente lo sea: en el ostentoso edificio, Long acomoda –modesta y silenciosamente–, sus cortezas de pino misionero sobre el piso, le echa una mirada rápida al gran mural de barro (creado con tierra del Delta de Tigre, pintado sin pinceles, directamente con las manos), relee los textos que escribió, observa sus fotografías. Estas piezas conforman Mendoza walking, la exposición que se expone en el Faena y que fue creada durante dieciocho días de caminata solitaria por los Andes mendocinos. Se trata de la primera vez que el inglés muestra un conjunto de sus obras en Sudamérica (anteriormente había mostrado sólo obras individuales, como la de la Bienal de San Pablo de 1994). Y realmente la exhibición del Faena es para no perdérsela: hay un solo Richard Long, irrepetible y fundante.

Personaje fundamental del land-art –ese tipo de arte que se realiza en medio de la naturaleza, interviniéndola con materiales encontrados allí, también naturales– Long se caracteriza por convertir en obra cierta práctica: la caminata. Es mientras camina en medio de paisajes inmensos y desolados –como el desierto de Gobi, el del Sahara, los valles de Irlanda, las tierras de la tribu Warli en India–, cuando crea sus trabajos. La verdadera obra de arte es, para él, caminar, ir y venir por la misma línea, dar vueltas sobre el mismo círculo, marcar el espacio con ramas, con piedras o con pasos.

La obra es exigirle al cuerpo cierto esfuerzo, comprometerlo. Observar y pensar el entorno. Y esperar a que el paisaje responda.

¿Si tienen algo de ritual estos gestos repetidos? “Sí, tiene que ver con el ritual”, responde Long a Clarín. “Me gusta pensarlo así, y aclarar que no soy un chamán. Soy un artista que hace una obra anónima en un paisaje y allí la deja”.

Hace años Long detalló: “La creación de mi trabajo no está en las formas comunes –círculos, líneas– que uso, sino en los lugares que escojo para colocarlas”.

Lo que ahora puede verse en el Faena es algo así como una serie derecordatorios de las caminatas que realizó en la cordillera, en Mendoza, hace unos días, y de las intervenciones que hizo allí. En la cordillera estuvo solo, con una carpa y una mochila.

Fueron dos semanas por el Aconcagua y tres días por Tupungato. En ese tiempo el artista se desplazó en estado meditativo, caminando en silencio: la práctica requiere repliegue y concentración. “Caminar por la naturaleza despierta muchas sensaciones”, detalla Long. “Soy otra persona después de entrar en contacto con el paisaje. Me cambia. Hay un antes y un después del paisaje. Eso pasó con los Andes”.

El recorrido que el artista fue formando durante esas caminatas, las circunstancias con las que se encontró, los elementos que descubrió, sus pensamientos, el tiempo de elaboración de las obras, el descubrimiento de espacios nuevos, la sensación de libertad y las intervenciones, todo esto constituye la obra. “Una auténtica comprensión de la tierra requiere más que la construcción de objetos”, decía hace algún tiempo el artista. Requiere de “la simplicidad del caminar, la simplicidad de las piedras”.

Ahora en el Faena, vemos gigantes círculos concéntricos de corteza de pino; vemos el mural de barro con reminiscencias precolombinas. Y leemos el texto de Long sobre la pared: “ De la A a la B/ De la suerte al destino/ Del por qué al cómo/ Del vulcanismo a la escultura/ De la simplicidad a las avalanchas/ De la casualidad a las consecuencias” . Entonces el artista menciona su rezo: “Una buena obra es la cosa correcta en el lugar correcto a la hora correcta. Un lugar de cruce”.

http://www.clarin.com/sociedad/hombre-convirtio-caminata-Cordillera-obras_0_1167483320.html

“La idea es valorizar a artistas mendocinos

“La idea es valorizar a artistas mendocinos”
El elenco local El hechizo y la rosa se prepara para estas vacaciones. Con 85 artistas en escena, recorrerá los departamentos.

Por: Natalia Mantineo

 

En seis días, los chicos mendocinos comienzan sus añoradas vacaciones y muchos son los interrogantes de sus padres acerca de qué hacer con ellos en casa o cómo entretenerlos. Varias son las propuestas nacionales que arriban a Mendoza en los próximos días y muchas son las iniciativas que tendrán como protagonistas a los artistas locales. Una de ellas es la obra infantil El hechizo y la rosa, una producción del Ministerio de Cultura de Mendoza con el auspicio de la Asociación Civil Movimiento por la Danza. La misma se presentará durante las vacaciones de invierno en distintos puntos de la provincia, bajo la dirección general de la profesora Patricia Motos.

SOBRE LA OBRA. Propone un mensaje que deja ver los sentimientos opuestos de los seres humanos, descubriendo la belleza del interior de cada uno de ellos. Una obra que hará emocionar y transitar desde la alegría al suspenso, acompañados de la comicidad de ciertos personajes, que harán despertar una sonrisa tanto a grandes como a chicos. Sus escenas ágiles, divertidas y dinámicas mantienen al público expectante y entretenido del principio al final. En su desarrollo encontramos personajes dulces, delicados y sensibles, como su protagonista, bella y hermosa. Otros rudos y fuertes, otros encantados bajo un hechizo a causa de su frialdad y egoísmo, que al finalizar la obra se rompe y deja ver sus verdaderas bellezas interiores.

MOTOS, EN PRIMERA PERSONA. Previo al gran estreno que se realizará el 12 y 13 en el Le Parc, El Sol dialogó con la directora de El hechizo y la rosa sobre la realización de la obra, que contará con más de 85 artistas en escena, entre actores y bailarines profesionales, además de niños y adolescentes estudiantes de diferentes disciplinas artísticas –danza, teatro y canto– que fueron seleccionados a través de audiciones realizadas tanto en la ciudad de Mendoza como en el interior de la provincia.

“Todo surgió por un recorrido que realicé por el interior de la provincia, donde encontré varios artistas, muy talentosos ellos, que no tenían la posibilidad de actuar o montar su propio espectáculo. Así armé El hechizo y la rosa con artistas de siete departamentos de la provincia, todos ellos audicionados. La idea es recorrer la provincia y mostrar el enorme potencial actoral que hay en Mendoza”, aseguró Motos.

“La obra reviste un potencial aporte productivo y didáctico, que posibilita la reunión de artistas de diferentes rincones de la provincia y facilita, entre todos, un excelente grupo de trabajo y humano, compartiendo momentos y vivencias de diferentes culturas y realidades territoriales”, añadió.

“Esta producción enriquecida en artistas y totalmente federalizada se presentará en tres funciones en el Espacio Cultural Julio Le Parc, 12 y 13 de julio a las 18, y una fuera de vacaciones de invierno. Además, recorrerá los departamentos de La Paz, Santa Rosa, Tupungato, Lavalle y Tunuyán”, culminó.

Sin dudas, una excelente propuesta para estas vacaciones.

http://elsolonline.com/noticias/ver/1407/207268/-la-idea-es-valorizar-el-trabajo-de-los-artistas-mendocinos-

Crear con la marca en el orillo

Un espiral de corteza de pino, de 13 metros de diámetro, recrea la huella que dejó el artista en el Cordón del Plata  Foto: LA NACION / Silvana Colombo

Hoy es día de doblete de inauguraciones globales. En una inédita y estratégica movida, Jeff Koons (York, Pensilvania 1955) tendrá su retrospectiva en el Museo Whitney de Nueva York con la marca en el orillo de H&M. La tienda de moda masiva de origen sueco, la más cercana competidora de la española Zara de Amancio Ortega, abrirá en simultáneo un local en la Quinta Avenida con carteras intervenidas por el propio Koons. El bueno de Jeff, con su cara de chico aplicado, es el artista vivo más caro del mundo. Su obra se cotiza en millones de dólares y es probable que el paso por el Whitney sume otros ceros a su serie “baloon dogs”.Ganó fama mundial al casarse con la Cicciolina , por sus esculturas pop que integran la colección del magnate francés Francois Pinault y por Puppy, un perro de flores diseñado para custodiar el Museo Guggenheim de Bilbao. Los vascos miran al mastín con sorna y dicen del museo que es “la caseta del perro”.

A kilómetros de distancia de Manhattan, en La Haya, Holanda, hoy será reinaugurado el Museo Mauritshuis con la soberbia colección del siglo de oro holandés. La anfitriona indiscutida de la casa es La joven de la perla, el más famoso de los cuadros de Vermeer, que pintó poco más de treinta obras en toda su vida. La novedad del Mauritshuis llega con la ampliación, cafetería y salas de la Royal Dutch Wing Shell, que nace también con marca (esta vez petrolera) en el orillo. La tendencia tiene su correlato local con modelos como Barrio Joven Chandon, Dixit Petrobras o en el hit de arteBA que es U-Turn Mercedes Benz. En los tiempos modernos, las empresas han asociado sus marcas al arte, como lo hicieron en el origen de los museos norteamericanos filántropos de la talla de Mellon, Rockefeller, Vanderbilt y la genial Lila Acheson Wallace, dueña del Readear’s Digest, que dejó un fondo para pagar ad eternum los ramos de flores naturales que decoran el lobby del Metropolitan de Nueva York. Los nuevos socios del arte son automotrices, bancos, diseñadores y… barrios. Alan Faena sumó valor agregado a sus inversiones inmobiliarias con el diseño de Philip Stark para el hotel ladrillero de Puerto Madero; con las pinturas ploteadas de Pablo Siquier y ahora con las muestras internacionales que desembarcan en el Faena Arts Center. Hoy será presentado en la sala Los Molinos del FAC, con curaduría de Ximena Caminos, Mendoza walking, obra del británico Richard Long (Bristol, Inglaterra, 1945), ganador del Turner Prize. Resultado de diecisiete días de travesía por el Tupungato, son dos site specifics inspirados en la topografía escarpada de los Andes. Es la primera vez que Long expone en la Argentina.

Mientras tanto, la semana próxima abre sus puertas la nueva apuesta digital del Espacio Telefónica en Plaza Vicente López. La reapertura tendrá como invitado a Charly Nijensohn (Buenos Aires, 1966). artista que vive y trabaja en Berlín. Representó a la Argentina en la 50° Bienal de Venecia y en 2010 sus obras fueron expuestas en la prestigiosa Whitechapel de Londres. En Telefónica mostrará Estado de emergencia,una video instalación en formato cinema expandido. Son cuatro trabajos realizados en los últimos ocho años en los que relata visualmente la tensión inestable entre lo humano y las fuerzas del universo

http://www.lanacion.com.ar/1704801-crear-con-la-marca-en-el-orillo

Richard Long, ícono del land art, expone por primera vez en el país

Piedras, barro y madera del Tupungato, el Cordón de Plata andino, la pampa y el río Paraná darán forma a la primera muestra en Argentina del británico Richard Long, creador y emblema del land art, desde el sábado próximo en el Faena Arts Center.El viejo edificio portuario de Aimé Paimé 1169 albergará hasta el 28 de julio “Walking Mendoza”, un site specific que Long diseñó teniendo en cuenta la inmensidad del otrora molino porteño, 630 metros de superficie y 10 de alto, tras caminar durante 14 días por las tierras rocosas de Cuyo, la planicie pampeana y suelo litoraleño sin descanso ni metáforas, de eso tratan 45 años de reconocida creación artística que lo llevó a pie por el mundo.

 

Emb arcado en los últimos ajustes de la exhibición que promete evocar ese contacto íntimo con la naturaleza que acuña toda su obra, Long se llama a sí mismo “artista de su tiempo” y “saltimbanqui”, representante de la generación de  ‘autoestopistas’ del 60 y 70  que recorrió los cinco continentes haciendo arte pobre, minimalista o de la tierra, con el material que hallaba en su camino.

Eso mismo sigue haciendo por estos días en la sala Molinos, donde preparaba “Andes-Paraná”,  un wall work hecho con barro y arcilla de esas regiones; “Pampas Dreaming”, una escultura con maderas del Litoral; un monumental texto que llamó “Poesía” y una selección del land art que produjo a su paso por Cuyo, cautivado por el Aconcagua, la cima más alta de Sudamérica.

“Mi trabajo es sobre aquello de lo que el mundo está hecho, sólo necesito agua y tierra para realizarlo y prefiero los materiales naturales”

Ocurre que el arte de Long se sustenta en el caminar y la huella –el cambio sutil como constante imperturbable, la marca del hombre en el paisaje-, el tiempo como unidad de mesura y la repetición, “una nueva dimensión que surge cuando el viaje se transforma en obra”, dice enfundado en unas sandalias con medias y pantalón al más puro estilo trekking, que contrasta con la madera lustrosa, pana oscura y detalles dorados del restó donde recibe a Télam.

Desde la famosa “A line made by walking”  (una línea hecha de caminar),  foto que registra la recta  que marcó en 1967 yendo y viniendo sobre sus pasos en un campo de Wiltshire; hasta  “Heaven and earth” (cielo y tierra), retrospectiva que en 2009 abría la Tate Gallery con exagramas del I-Ching pintados sobre un muro con lodo; su intervención en el paisaje es cuidadosa, efímera, no busca dominarlo como otros padres fundadores del land art.

“Todo mi trabajo es sobre una marca dejada por alguien que estaba pasando por un lugar”, asevera, y ahí están el Kilimanjaro con “la escultura más alta del mundo”, dice con disimulada ironía; la deconstrucción de mil millas que hizo atravesando Irlanda de costa a costa, dejando piedras como hitos en su camino; o los sonidos captados en 22 días de caminata por España, de norte a sur.

Los senderos, círculos, montículos o formas geométricas de roca, hielo o cenizas  que dejó a su paso en lugares tan remotos como Alaska, Mongolia o los Andes bolivianos, no tienen relación con lo ancestral: “Soy un artista moderno -dictamina-, somos parte de la historia y la llevamos en la sangre”.

“Lo que hago es celebrar la naturaleza, aunque soy un animal artístico, no un animal político. La filosofía verde me interesa pero cuando comencé no había movimientos ambientalistas –reseña-; mi interés tiene que ver con las caminatas, andar en bicicleta, la historia del arte y la aproximación al paisaje de Van Gogh”, algo así como un registro emotivo del territorio o un autorretrato fuera de cuadro a través de esas vistas y panorámicas.

“Mi trabajo es sobre aquello de lo que el mundo está hecho, sólo necesito agua y tierra para realizarlo y prefiero los materiales naturales. Las piedras son muy útiles porque puedo encontrarlas en cualquier lugar del planeta”, sintetiza el artista, Premio Turner 1989 nacido en Bristol en 1945, ciudad en la que se crió y vive, a la que retorna tras cada viaje.

“La mejor manera de estar en el mundo –concluye- es caminar a través de él. Camino persiguiendo ideas desde lo placentero -el campo es un placer, las montañas son un placer-, toda mi vida artística representa un punto de vista que he seguido por años. Hice lo mismo en diferentes sitios década tras década: caminata, contemplación, creación. Me llamo sólo artista -viajes, tiempo, barro, pintura-  el denominador común entre todo eso soy yo”.

 

http://www.telam.com.ar/notas/201406/68298-richard-long-icono-del-land-art-expone-por-primera-vez-en-el-pais.html

 

“Sean varones o mujeres, a cierta edad los nietos tienen que hacer su cuchillo”

A 1.058 metros sobre el nivel del mar, en el distrito tupungatino La Arboleda, está enclavado el cartel de entrada a la famosa cuchillería artesanal KDS, una de las paradas obligatorias para los turistas.

Alejandra Adi
adi.alejandra@diariouno.net.ar

A 1.058 metros sobre el nivel del mar, en el distrito tupungatino La Arboleda, una Bandera argentina flamea en lo alto de un mástil, mezclándose el paño con los colores de la cordillera. Ahí mismo está enclavado el cartel de entrada a la famosa cuchillería artesanal KDS, una de las paradas obligatorias del turista que elige conocer los atractivos del Valle de Uco.

Donde hace 25 años un pequeño galpón de finca oficiaba de taller para trabajar a mano las primeras hojas de acero, hoy se erige, pintada de blanco, una moderna construcción de dos pisos que funciona como fábrica. La escena puede ir variando pero la rutina suele ser la misma en el seno de esta empresa familiar.

En producción. Carmen Lillieskold y Pereyra Da Silva en la planta alta de la fábrica de cuchillos artesanales en Tupungato.

Juan Carlos Pereyra Da Silva (64) va de un lado para otro supervisando, acarreando materiales o preparando la mercadería que deben ser entregadas, mientras su esposa, Carmen (67), está en el altillo, cociendo y tiñendo las vainas de cuero curtido. Al mismo tiempo, en el corazón del edifico, Alberto y Pedro Raúl, los hijos varones, desempeñan junto con un plantel de ayudantes las distintas labores propias del proceso de producción en la cuchillería: desde el diseño de las hojas y apliques hasta el tratamiento técnico, la platería y el moldeado de cabos. Cada tanto, su hermana Mónica pasa por ahí para lucirse con el scrimshaw, tallando y embelleciendo los cabos más caros.

“Trabajamos todos juntos pero no amontonados”, aclara Mitai. Así lo conocen en Tupungato al fundador de este emprendimiento que nació a principio de los noventa como una alternativa familiar para salir de una crisis económica que atravesaban.

En noviembre de 1974 los Karup Pereyra Da Silva habían llegado a Mendoza para probar suerte. Pero terminaron haciendo de la cuchillería fina un arte y creando un producto que circula por todo el mundo.

–¿Cómo llegan a la provincia?
–Carmen ya había vivido acá, donde había enviudado. Cuando regresó a Misiones lo hizo con sus niños de 4, 3 y 2 años. Yo trabajaba frente a una agencia que tenían en Puerto Rico y empezamos a “noviar”. Después nos casamos y buscamos qué hacer. Mendoza ya era una provincia conocida pero costaba decidirnos. No me da vergüenza decir que durante los primeros 40 kilómetros que manejé, vine llorando amargamente. Pero la decisión estaba tomada.

–¿Qué hicieron al llegar?
–Empezamos con la agricultura. En ese entonces recibimos la visita de Pancho Giaquinta y Martín Noreikat, que me dijeron que nos viniéramos a Tupungato, que era una tierra maravillosa y de gente linda. Los primeros años en La Arboleda hubo que adaptarse a la realidad porque fueron 6 años de desastre climático. Nuestra economía se iba deteriorando y estábamos comprometidos con los bancos. Había oportunidades de emigrar pero el orgullo de no volver con las manos vacía fue mayor.

–¿Cómo entraron en el mundo de la cuchillería?
–Tratamos de formar todos como un paquetito, donde todos los hijos fueran criados por igual y no se notara que los mayores eran mis hijastros. Logramos una familia muy compacta y juntos empezamos a buscar alternativas para salir adelante. Ahí probamos con hacer cuchillos. Alberto, siendo muy chiquito, ya andaba agachado en una amoladora dando los primeros pasos conmigo, hasta que se nos dio que el RIM 11 para el aniversario de Tupungato, el 8 de noviembre, nos pidió seis piezas para obsequiar. Esa primera venta sirvió para impulsarnos en el tema comercial y pusimos esa fecha como fundación de KDS.

–¿Sabían algo de cómo hacerlos?
–La tentación de los cuchillos surgió cuando Martín, mi vecino, me llamó un día y me mostró un cuchillo que había hecho. Me preguntó si me gustaba y si quería hacer uno. Entró al taller con una hoja y me dijo: “Tomá”. Yo le dije que no sabía nada y me sugirió que primero lo diseñara, lo marcara, lo cortara y le diera forma. Después, mientras hacía arreglar las cosas de la finca en algunos talleres, pedía prestado los esmeriles y en seis meses terminé mi primer cuchillo, que para mí era lo más lindo que había.

–¿Cómo se hicieron conocidos?
–Empezamos a participar en exposiciones. La primera fue en una vidriera del centro. Desde ahí empezamos a conseguir material, comprábamos chapas junto con algunos colegas, recibíamos libros y videos de los amigos que viajaban al exterior. Empezamos a ser muy agresivos en la búsqueda de información para capacitarnos. Éramos uno del montón pero con perseverancia nos fuimos armando, hasta que surgió participar en la primera Expo Armas. Cuando llegamos nos miraron por arriba del hombro, pero el público se arrimó, nos alentó y nos compró.

–¿Qué experiencias fueron atravesando?
–En la segunda Expo Armas nos encontramos inundados de cuchillos importados. Ese día cayó un cliente del año anterior que me preguntó si estaba asustado y me dijo que me sintiera orgulloso de estar colgando la Bandera argentina. Que iba a vender porque a la gente le gustaba que se hiciera en su país. Fue el mejor año que tuvimos en la expo. Después aumentamos la producción, buscamos conseguir los mejores materiales y armamos un plantel de trabajadores de la zona donde mis hijos oficiaron de maestros para enseñarles a todos. Nosotros empezamos muy de abajo pero fuimos creciendo.

Del mercado y el turismo
Conocer este circuito de producción manual hasta poder pedir un cuchillo personalizado, que lleve el nombre que uno quiera, son algunos de los atractivos que hacen de este emprendimiento familiar una de las opciones más elegidas por el turista que termina la visita habiéndose adentrado por completo en este mundillo, donde puede hasta ver productos que por sus características y materiales tienen valores que llegan a los $14.000.

“A esos los tenemos ahí quietos pero vendrá un día un coleccionista o ese novio que no sabés cuándo puede llegar a buscarlos”, contó Pereyra Da Silva. Para todo lo que ofrecen al público utilizan materiales que provienen de distintos puntos del país y muchos de España, Suecia y Austria.

–¿Cuál es su mercado?
–Buscamos que no se nos escape el asalariado, que fue el primero en acompañarnos y que es el que le hace un regalito al papá o al hermano. Después está el turista, al que tratamos de brindarle una alternativa para que no esté sólo de paso en Tupungato y que conozca algo más.

–¿Cuál es el vínculo con las grandes firmas?
–Estamos conectados con todas las bodegas del Valle de Uco y de casi todo Mendoza que usan nuestros productos. También nos va muy bien con la vajilla, que es otro producto y que se usa, por ejemplo, en todos los restoranes de Francis Mallman, hasta en Punta del Este y Nueva York.

–¿Cómo ve el futuro de esta empresa familiar?
–Yo me veo para jubilarme este año, pero calculo que no me voy a retirar. Hay que aceitar los engranajes para que todo siga como hasta ahora. Acá los nietos a una determinada edad ya tienen que hacer su cuchillo, sean varones o mujeres. Es la forma de que tengan una convivencia con el tema. Igual los dos más grandes están ya en la universidad y los otros son chicos. Veremos quién se inclina para este lado. Estoy seguro de que alguno lo va a hacer.
http://www.diariouno.com.ar/mendoza/Sean-varones-o-mujeres-a-cierta-edad-los-nietos-tienen-que-hacer-su-cuchillo-20140622-0014.html

 

 

 

Kilka: Un espacio único para la cultura, el vino, la tierra y la religión

La primera vez que se visita el espacio Killka en Tunuyán, uno siente la sensación de estar en otro lugar en el mundo.

 

Killka-Espacio Salentein es el lugar de encuentro de arte, naturaleza, vino y excelente gastronomía de Bodegas Salentein. Su espacio de arte cuenta con una importante colección de arte argentino contemporáneo y holandés de los siglos XIX y XX. En su galería de arte se realizan cuatro muestras anuales, de reconocidos artistas nacionales e internacionales.

 

En el año 2008, Killka fue galardonado con el premio Oro Mundial, en la categoría Arte y Cultura, en el concurso Best of de las Great Wine Capitals. A fines de los años 90 se encargó la construcción de Bodegas Salentein en Valle de Uco, Tunuyán, Mendoza.

La idea fue hacer no solo un proyecto agroindustrial, sino un emprendimiento que tuviera sólidas raíces culturales, y que sirviera para el desarrollo de una iniciativa más amplia, donde también fuera beneficiaria la región y, de esta manera, la gente que vive allí. El conjunto arquitectónico denominado Killka está integrado por una variedad de espacios que sintetizan la propuesta de vino, arte y naturaleza. Surgió de la idea de construir un centro cultural, artístico y gastronómico único en la región, que incluye salas de arte, un restaurante, un auditorio y un wine shop, entre otros. Está ubicado dentro del Espacio Salentein, a más de 1.100 metros de altura, en el corazón de la Cordillera de los Andes, junto a la botrdega y la Capilla, y a pocos kilómeos de la Posada Salentein.

Como puerta de entrada a los visitantes del mundo, este complejo está ubicado sobre el camino principal de ingreso a la bodega. Actúa como una articulación del espacio. Es “la llegada” al lugar. De allí la tipología seleccionada para su arquitectura: una planta en forma de “U”, con patio central, que se atraviesa, imponiendo sucesivas vistas hacia la imagen final de la bodega, recortada frente a la Cordillera de los Andes.

 

El objetivo de Killka es recibir, informar, recrear, educar y servir a los visitantes que llegan a la bodega, interesados en conocer cómo se manejan aquí los viñedos, cómo se elabora el vino y tener diversas experiencias y actividades en relación al arte y
la cultura. Su arquitectura reformula formas del pasado cuyano, con expresión, impronta y tecnologías contemporáneas, para actualizar una imagen fuertemente andina. A modo de ejemplo, una muestra de ello son los volúmenes macizos de hormigón y anchas galerías.

Principales áreas de Killka

En su diseño se destacan cuatro áreas principales dentro del edificio: la recepción, los espacios de arte, la gastronomía y un sector para ventas. Los visitantes pueden recorrer las salas de arte, con piezas de arte argentino e internacional.
El complejo cuenta además con un restaurante

http://www.jornadaonline.com/Placeres/115396

Primer profesor de pintura de la UNCuyo

Primer profesor de pintura de la UNCuyo

 

Hace 75 años, Roberto Cascarini era convocado para ocupar la cátedra de Dibujo y Pintura de la Universidad Nacional de Cuyo, creada en ese año, 1939. Llevó a cabo una tarea encomiable. Impartió su enseñanza a famosos artistas mendocinos. Su esposa, durante los primeros años, no podía asistir a los actos oficiales porque era judía. Una vida ejemplar.

 

Andrés Cáceres – Especial para Cultura

Al momento de ser convocado, se desempeñaba como empleado público en la Capital Federal. Lo designó el ministro de Instrucción, Jorge E. Coll, y se mantuvo en el cargo hasta 1956.

Estaba casado con Amalia Jascalevich y tenía dos hijas, Silvia y Amalia. Desde entonces y hasta su muerte, el 29 de junio de 1990, permaneció con su familia en Mendoza, donde pintó casi toda su obra y formó numerosos alumnos, entre ellos, Carlos Alonso, Orlando Pardo, Luis Quesada, Roberto Ochoa, Chipo Céspedes, Marcelo Santangelo, Enrique Sobisch y Ricardo Scilipoti.

Fue su cuadro “Romance” lo que le valió el nombramiento en la Universidad Nacional de Cuyo. A la exposición en la que figuraba fue el ministro de Instrucción Pública, juzgó muy meritorio el trabajo y lo recomendó. En Mendoza, recibió la designación de manos del rector Edmundo Correas y se hizo cargo de la primera cátedra estable de Dibujo y Pintura de la, entonces, Escuela de Bellas Artes.

En el acto de entrega de la pintura al Rectorado, en 1989, dijo a Los Andes: “Pasan algunos años, los que compraron cuadros se mueren, las obras no se aprecian y van a parar a cualquier parte”.

Un experto de Buenos Aires lo había valuado en 50.000 dólares. Al recordárselo, Cascarini se sonrió y dijo: “El pobre Van Gogh vivía en la miseria y luego sus cuadros han sido vendidos en cifras fabulosas. Fader ha hecho fama. En cambio, no ha ocurrido lo mismo con Cesáreo Bernaldo de Quirós, que ha dejado una obra excelente. Otro que ha ganado fama ha sido Pettoruti, que es de vanguardia y muy bueno”.

La obra de Cascarini (no solo por tratarse de óleo, al que se debe esperar que seque), es de elaboración lenta. Su longevidad -trabajó metódicamente hasta el año de su muerte- y su buena salud le permitieron pintar más de mil cuadros.

Para entender por qué, en pleno auge de las vanguardias del siglo XX, su obra se mantuvo fiel a una figuración realista, hay que verla desde su persona y desde su vida, cimentada, como su arte, en la armonía, la disciplina, la serenidad, el equilibrio, la sencillez y la claridad.

Perteneció al tipo de artista que trabajaba al aire libre y tomaba bocetos, en Mendoza, de Potrerillos, Uspallata, Tupungato, El Challao o el parque San Martín, que luego terminaba en su estudio. Era dueño de un ejercitado oficio que le permitió elaborar una obra lírica por excelencia.

Nunca le interesó el estallido de las formas, sino representarlas desde su sentir panteísta, otorgando un carácter casi sagrado a todo lo que se presentaba ante su retina. Por eso, lo suyo no es un naturalismo. Por eso, nunca figuró nada feo. Por eso, en la operación de transcribir la naturaleza al lienzo, todo pasó por un tamiz selector que idealizó lo visto, iluminando aquí, amortiguando un tono más allá, de modo que la totalidad fuera una perfecta armonía de partes, nunca al servicio de un preciosismo superficial, sino convocando al espíritu.

Su producción es sólida y coherente con un modo de ser y de pensar, enseñándonos a ver la naturaleza redescubriéndola, a valorar la refinada sensualidad de un desnudo de mujer sin agresión, pudoroso, magníficamente bello.

Atrapar la belleza

Igualmente, sus vendimiadoras y sus campesinos están hermoseados por un esfuerzo honesto y hecho de corazón, muy lejos del craso verismo fotográfico como de las cosméticas fórmulas del folclorismo comercial.

Quienes, en la exaltada década del ’70, lo tildaron de académico se equivocaron. Tanto cuando se remitía a temas mitológicos o figuras religiosas como a simples seres cotidianos, lo hacía con cierta solemnidad porque eso para él indicaba respeto.

El aire académico es pedante, un escudo defensivo que no necesitó jamás. Al contrario, era sencillo y afable. Y si la referencia era específicamente a la obra, fue un prejuicio de los ámbitos artísticos, debido al predicamento de la fuerza expresiva como valor supremo excluyente.

Hoy, sin que ese valor estético haya perdido el lugar que le corresponde, se ha vuelto a reivindicar el sitio que siempre deberá ocupar la delicadeza del trazo, la serenidad del pulso y el ritmo elegante que procura atrapar lo bello.

Académico es quien repite fórmulas porque no tiene personalidad. Porque no tiene capacidad para instalar su subjetividad, su punto de vista. La existencia de Roberto Cascarini tuvo los mismos sobresaltos y contratiempos que la de cualquier ser humano. Pero su temple de ánimo y su optimismo lo protegieron de la desesperación y del desgaste de la angustia, dimensiones que eliminaba absolutamente en su trato con la plástica.

Materia refinada

Una voluntad férrea y un convencimiento íntimo le permitieron cantarle a la naturaleza, al cuerpo de la mujer y a los trabajadores con refinada materia. Basta ver su obra para corroborar la espiritualidad y la delicadeza de los sentimientos, exenta de amaneramientos y de distorsiones, como de lo disonante y de lo superfluo.

Tiene una alegría esencial, entre sensual y mística que reconcilia al espectador consigo mismo y le propone elevarse por sobre las miserias de la contingencia.

Nació cuando el posimpresionismo dominaba la escena, y quedó seducido por él. De allí tomó el color y de lo clásico, la forma, convirtiéndose en un pintor ecléctico, como la mayoría de los espíritus libres, silencioso y humilde.

Por idiosincrasia y por experiencia, fue partidario del estudio disciplinado, del orden y de la perseverancia y se vio doblemente retribuido: por la obra misma, que elaboró incansablemente, y por su activa, lúcida y resplandeciente ancianidad, que fue una continua fuente de alegría interior hasta sus últimos días.

Hoy, a la distancia, sentimos que su arte es una fiel expresión de su naturaleza: dulcemente enérgico, poéticamente refinado, decididamente bello, que pisa fuerte en la técnica para expresar la delicadeza, la serenidad y la discreta elegancia que percibió en el espíritu de la existencia.

Los Frutos de la Intuición

Nota de Cielos Argentinos

Pedro Aznar es, antes que un músico, un creador. Lo demuestra cada día haciendo música, pero no se restringe sólo a eso. Un nuevo emprendimiento lo deslumbra: hoy realiza su propia línea de vinos. Reconoce que es un universo nuevo, pero no se acobarda. Todo comenzó en el año 2012, cuando Aznar conoció en Mendoza a Marcelo Pelleriti, uno de los referentes de la enología argentina –además de músico– durante un alto de la gira de su disco “Ahora”. “Marcelo me llevó a conocer la bodega Monteviejo, en Valle de Uco –donde trabaja– y hacer una recorrida por sus viñedos. Nos dimos cuenta muy rápido de que teníamos muchas cosas en común. Él se quedó sorprendido por mi interés intenso en el mundo del vino. Me invitó a hacer un corte, un blend de vino a mi manera, a mi gusto. Me pareció un juego creativo hermoso. Y la verdad es que fue un viaje de ida. Quedé completamente enganchado. Aluciné con el trabajo del hacedor del vino. Algo que es muy parecido a la composición musical o a escribir poemas. Involucra todos tus sentidos, y sobre todo tu intuición. Es una mirada artística absoluta. Tiene algo de ciencia y algo de arte. Descubrimos que los dos éramos fanáticos de la uva Cabernet Franc”, cuenta Aznar. Y esa coincidencia fue el disparador: ambos se asociaron para crear el proyecto “Abremundos”, con el que lanzaron las marcas Octava Basa, Octava Alta y Octava Superior, que formarán parte de vinotecas y restaurantes selectos, y que se va a poder comprar directamente en su bodega en Valle de Uco o por venta online.

Este año comercializarán 25.000 botellas, y la cosa irá en aumento. Aunque –aclara– “no nos queremos enloquecer ni convertirlo en un gran emprendimiento. Lo encaramos con mucha calma”. En la actualidad, comandan la construcción de la bodega y ya estuvieron realizando la plantación de la primera parcela de Malbec –dos hectáreas–. “Vamos a terminar de plantar en septiembre. Planeamos tener en esa finca uvas más inusuales y hacer vinos especiales, con cortes más osados. Ahora estamos elaborando nuestros vinos con uvas compradas en otros viñedos en Valle de Uco. De acá a unos años tendremos nuestras propias uvas”.

Aznar dice que, antes de esta gran experiencia, sólo asistía a algunas degustaciones de vinos. “El tema del vino siempre me interesó. Era un viejo sueño entrar a este mundo desde el otro lado de la botella –por así decirlo–. Ahora estoy estudiando la carrera de sommelier –estoy en segundo año–, así que perdí la inocencia de 2012 cuando hice mi primer blend.

– ¡Uy! Se acabó la intuición…

–No, la intuición es lo que comanda siempre. Una vez que te metés a estudiar y a conocer, te entrenás en el arte de la cata –que es todo un mundo- y empezás a hacer cortes de vino, ahí te involucrás de otro modo. Igual que con la música. Yo soy un músico entrenado, tengo formación porque estudié muchos años, pero cuando me siento a componer no estoy pensando en todo ese bagaje. Felizmente, las cosas que estudié me las olvidé u operan en un nivel más inconsciente. No hay que estar pendiente de cómo se hacen las cosas. Si operás desde el manual nunca vas a dejar de hacer una cosa cuadrada, predecible o aburrida. La intuición es una cosa más rica. Te permite hacer cosas que rompen el molde.

–Ahora que tenés un viñedo, vas a tener que lidiar con las cuestiones climáticas…

–Es parte del asunto. Es igual al estrés que te da un mal sonido cuando hacés un concierto. Son las reglas del juego. Puede ser que en un año tengas una cosecha magra, que no obtengas ni el volumen ni las características que buscabas. Puede pasar de todo. Todo en la vida implica un cierto riesgo.

–No depende de nosotros…

–No, está la madre naturaleza metiendo mano, y lo bien que hace. Mi relación con la tierra jamás había pasado más que de la jardinería hogareña, así que todo esto es algo muy nuevo para mí.

A no desesperar, que la música sigue. Este año, Pedro se prepara para salir de gira con un show a la carta; es decir, es el público el que elige las canciones de la prolífica carrera de Aznar, y las más votadas –a través de la página web del músico– formarán parte del repertorio de los conciertos que dará en buena parte de nuestro país. Además, en breve saldrá el DVD del show unipersonal que el año pasado presentó en el Gran Rex –en el marco del lanzamiento de su último disco, “Mil noches y un instante”– y que lo muestra, además de rockero, como un eximio folclorista de la mano de una sociedad artística con Teresa Parodi.

“Felizmente, las cosas que estudié me las olvidé u operan en un nivel más inconsciente. No hay que estar pendiente de cómo se hacen las cosas”

–Siempre fuiste un músico que se caracterizó por su nivel de cohesión con géneros que no son propiamente el rock…

–En cuanto a lo estilístico, me pienso como un músico popular argentino. El rock es mi casa, es la música que me formó. Pero lo que me emociona y conmueve es la buena música. En la Argentina hay cosas de un valor extraordinario. Me enorgullezco de ser parte de una tradición musical con gente tan ilustre. Tenemos autores de un peso impresionante que, injustamente, no son tan conocidos en el mundo. Es diferente a lo que pasa con la música de Brasil, que ha alcanzado una visibilidad internacional muy importante.

–¿La música popular argentina existe como movimiento?

–Yo creo que ni la Música Popular Brasileña (MPB) existe como movimiento, por lo menos actualmente. Y eso tiene que ver con la enorme diversidad que existe en la música de allí. Cuando un fenómeno cultural crece tanto es difícil que pueda ser un movimiento. El movimiento necesita una cohesión. Sí existe el orgullo de pertenecer a una tradición; en eso los músicos de Brasil la tienen muy clara. Sin embargo, eso está pasando aquí también. Cualquier músico argentino reconoce a Piazzolla como un padre, a Yupanqui como un padre, a Spinetta como un padre. No importa la música que toquen. Hay esa sensación de pertenecer a un hilo histórico, que fue comunicando cultura a través de las décadas.

–¿Creés que hay buenos vocalistas en el rock local o se trata de buenos artistas que cantan lo que hacen?

– No sabés en qué terreno difícil me estás metiendo… [se ríe]. Se trata de gustos personales, en todo caso. Ricardo Mollo me parece una gran voz del rock. Gustavo Cerati y Luis Alberto Spinetta, también. Después hay otros de los que te podés preguntar si tienen buenas voces, pero ¿importa eso? Mirá a John Lennon. ¿Era una buena voz del rock? Yo qué sé. Y al mismo tiempo, sí. ¿Qué otro puede hacerte temblar los huesos cantando “Strawberry Fields Forever”? ¿Es un cantante con el dominio y capacidad de Marvin Gaye? No, tal vez. Es un tipo que tiene una voz más chiquita, con menos registro, más rasposa, más nasal. El mismo Lennon decía que no le gustaba su voz y pedía a sus ingenieros de grabaciones que le pusieran efectos. Esos ecos al estilo Elvis. Era todo para enmascarar su voz, porque no se sentía seguro. Paul McCartney es un cantante mucho más dúctil, que puede ir del grito más desgarrador a la voz más aterciopelada. Lennon no lo sentía así, pero ¿eso importa? Muy poco. Es un artista que conmueve, que comunica lo que escribe. Yo admiro las voces capaces y dúctiles, manejadas desde una tremenda musicalidad –como puede ser la de Sting–, y al mismo tiempo me quedo conmovido de oír cantar a Tom Waits. Es una obra de arte. Si Waits fuera a hacer una audición para una obra en Broadway, lo sacarían a patadas [risas].

–Fue muy conmovedor el espectáculo que hiciste con canciones de Spinetta, a pocos meses de su muerte, sobre todo por la capacidad de reproducir los temas casi en forma calcada…

–En la mayoría de los casos decidí respetar a rajatabla la estructura de cada canción. Eso hago toda vez que hago una versión de la obra de otro: la miro con mucho respeto y me pregunto si voy a cambiar algo o no. En el caso de las canciones de Luis no sentí que hubiera que cambiarles ni una coma, ni un acento, ni un sonido, ni nada. No quería hacer un trabajo de un revisionismo histórico cabal, no quería hacer una remake. Son canciones que dicen lo que tienen que decir, lo dicen de la manera que hay que decirlo y no hay que cambiarles nada. Sí me propuse que sonara auténticamente a mí en 2012, que nada sonara impostado. Yo quería ser un canal de esa obra, lo más limpio posible.

–Qué difícil y compleja es la obra de Spinetta…

–Yo creo que presentar una obra en público siempre es difícil. Te exponés a la visión de los otros, a la crítica. Pero al mismo tiempo, si lo que presentás viene de un convencimiento profundo y eso salió de tu intuición, lo que puedan decir no debería por lo menos ser un factor que cambie tu obra. Podrás hacer cosas o no para que lo que hacés tenga más alcance, pero no deberías hacer música para gustarle a nadie. Sólo te tiene que gustar a vos. Y poder comunicarlo de la mejor forma posible para que los otros también lo puedan disfrutar. Eso Luis lo tuvo toda su vida muy claro. Cuando se opera desde ese lugar, lo que vaya a pasar después con la recepción de tu obra queda más allá de vos. Los demás la tomarán o la dejarán. Por supuesto, vas a preferir que lo que hacés guste. Es como el vino. A algunos les va a gustar más que a otros. Tiene que ver con las personas, con el paladar. Como con la música, pretender gustar a todo el mundo es una tontería. Es una necedad querer eso. No es real.

http://todoshow.infonews.com/2014/05/06/todoshow-142562-los-frutos-de-la-intuicion.php

El Wine Rock con Catupecu, Pedro Aznar y Jaime Torres, explotó en el Valle de Uco

La Cuarta edición del Wine Rock Tour, que tuvo como principales figuras a Catupecu Machu, Pedro Aznar y Jaime Torres, concentró a 2000 espectadores en la Bodega Monteviejo de Vista Flores, Tunuyán, a 120 kilometros al sudoeste de la ciudad de Mendoza.

La Cuarta edición del Wine Rock Tour, que tuvo como principales figuras a Catupecu Machu, Pedro Aznar y Jaime Torres, concentró a 2000 espectadores en la Bodega Monteviejo de Vista Flores, Tunuyán, a 120 kilometros al sudoeste de la ciudad de Mendoza.

El Festival contó además con la actuación de 4° Espacio (Matias Camisani-Daniel Ferrón); The Cellars, liderada por el enólogo Marcelo Pelleriti; Rano Sarbach Trio; Felipe Staiti (guitarrista de los Enanitos Verdes) y Daniel Melingo, entre otros.

La presencia de Pedro Aznar, solo en el escenario con su guitarra, marcó el delirio de sus seguidores, con un acústico impactante, y hasta se dió el gusto de grabar, como si fuera un estudio, un tema en inglés haciendo las tres voces y con igual cantidad de instrumentos musicales distintos, provocando un estado de euforia general cuando finalizó la interpretación.

Solo estuvo acompañado en un par de temas, cuando invitó a tocar junto a él al organizador del encuentro, Marcelo Pelleriti, quien además es el enólogo de su línea de vinos “Octava”.

Previamente se había presentado Jaime Torres, que a pesar de todo su virtuosismo musical a través de la ejecución de su charango no logró consolidar las expectativas y marcó una falta de criterio en la programación, ya que evidentemente se notaba como “sapo de otro charco” en este festival de rock.

Ya entrada la noche en el Valle de Uco, y tras unas 8 horas de concierto, el auditorio estalló con toda el sonido rockero que aportó Catupecu, que por segundo año consecutivo se subió al escenario del Wine Rock.

Así, ante sus enforvorizados seguidores, fueron desplegando los diferentes temas que marcaron su amplia discografía.

El festival fue un evento cultural abierto, que contó con el apoyo del Ministerio de Turismo de Mendoza, Great Wine Capitals Global Network, y además hubo degustación de vinos ultrapremium de los mejores enólogos y bodegas de Argentina, con el objetivo de promover el turismo y el vino argentino.

Este año también tuvo un espacio para el arte, donde se concentrarón producciones de obras culturales alrededor del Wine Rock Tour, que intentó dar mayor visibilidad a artistas y escritores utilizando herramientas de expresión que fueron desde las muestras de cuadros a instalaciones hasta las perfomances y distintos soportes audiovisuales.

Fuente: Télam

http://www.sitioandino.com/nota/117431-el-wine-rock-con-catupecu-pedro-aznar-y-jaime-torres-exploto-en-el-valle-de-uco/

 

“Lo que nunca nos dijimos”: el lunes empieza el rodaje

La película coproducida por Argentina y México, con guión de la mendocina Flavia Atencio y dirigida por el chileno Sebastián Sánchez, comenzará a filmarse en nuestra provincia la semana próxima.

La coproducción argentino-mexicana “Lo que nunca nos dijimos”, que narra una historia de familia, poniendo el eje en los tabúes, la relación madre e hija y el desarraigo, con guión y protagónico de la mendocina Flavia Atencio y dirigida por el chileno Sebastián Sánchez Amunategui comienza a filmarse en nuestra provincia el próximo lunes.

“La película trata de una familia mendocina muy conservadora compuesta por padre, madre e hija, en la que se han tratado de mantener los roles preestablecidos por la sociedad. Y la hija para escapar de ello emigra a México. Luego regresa a Mendoza porque su padre está muriendo”, cuenta Atencio, protagonista y guionista del film, quien está radicada hace varios años en México.

“Se produce un choque de generaciones muy fuerte entre las estructuras de la madre y las de la chica que rompe con esas estructuras”, explicó.

La actriz agrega que el personaje interpretado por ella tiene una relación de pareja con una mujer en México. “Esa relación de México llegará a Mendoza, cayéndose el teatro que la familia ha tratado de mantener”.

Ana María Picchio, que ocupa el rol de madre de Mariana en la ficción, comenta: “Es un personaje que me produce mucha fascinación porque no es lineal; es una persona muy simpática, muy agradable que recibe a su hija con mucho amor pero es una madre… y en  ese vínculo, ante una circunstancia particular, se calla la boca”.

“Cuando me mandan un libro, lo empiezo a leer, y si yo paro porque me aburro, lo descarto. Este libro no se puede dejar. Lo empezás y lo terminás. Eso quiere decir que es un muy buen guión”, opinó la actriz de La Tregua, sobre el porqué de su intervención en el proyecto.

El filme es una coproducción de Selva Films (México) y Cineworld (Argentina) y podrá rodarse gracias a que obtuvo el premio Estímulo Fiscal a la Producción Cinematográfica en México y el premio Estímulo a Creadores Cinematográficos de Imcine. Además cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura de nuestra provincia.

Sánchez Amurategui, el director chileno radicado en México, quien fue coproductor del multipremiado film “La Nana”, afirmó que “viniendo de México, uno está harto del centralismo, todo siempre tiene que ver con la capital, y esta película es una historia que pasa en Mendoza y su contraparte en México es en la ciudad de Oaxaca. Es interesante mostrar la vida fuera de las grandes capitales”.

Sin embargo, “la historia es muy universal, la de  una familia disfuncional, no hay familia normal, cada familia tiene sus particularidades”, agregó el cineasta.

Sobre esta coproducción el director trasandino comentó: “El cine mexicano  suele mirar más hacia el norte por la cercanía con Estados Unidos. El desafío es hacer un cine desde otra mirada, desde México hacia el Sur, por ejemplo. Algo más latinoamericano”.

La locación principal en la provincia es una casa quinta en Maipú, (la casa de la familia). También hay locaciones en la ciudad de Mendoza, Luján de Cuyo, el Valle de Uco, Chacras de Coria, la bodega Tapiz y se muestra mucho la cordillera como telón de fondo.

El rodaje comenzará este lunes y se extenderá por cuatro semanas en la provincia para luego rodar una semana en México: “Queríamos el otoño para lograr la atmósfera de la película, con sus colores, con muchos árboles, donde las hojas están a punto de caerse pero no se caen”, señaló Atencio, con una tonada mexicana que delata sus años en ese país.

La actriz y guionista estudió en la Escuela Regional Cuyo de Cine y Video en Mendoza y luego Guión Cinematográfico en San Antonio de los Baños, Cuba.

Además de una extensa carrera en teatro, televisión y cine “Lo que nunca nos dijimos”, le valió en México el Premio Nacional a la Mujer como Guionista del Séptimo Arte.

Otro de los actores argentinos inmerso en el proyecto, es Juan Gil Navarro y el filme también contará con la actuación de la actriz chilena Catarina Saavedra, galardonada protagonista de “La Nana”, quien en esta ocasión se pondrá en la piel de la enfermera que cuida al padre de Mariana.

Esta es la agenda de espectáculos para el fin de semana

Hay de todo: mucha y buena música; muestras y notables obras de teatro. Ahora podés entrar a la nota y elegir lo que vas a disfrutar.

VIERNES 7

Música

20.00 – Mendorock 2014. Tocan: Artos, Sueño Inmoral, Bien Sudaca, Medieval, Umea, Los Deloreans, Chanco Va. Espacio Cultural Julio Le Parc. Entrada libre y gratuita.

 

Víctor Heredia en el Festival Nacional de la Tonada

20.00 – Festival Nacional de la Tonada. Artistas: Víctor Heredia, Soledad, Los Chimeno, Cacace Aliaga, Trinares del Piuquen, La Grieta, Sombras del Ocaso, Achireros, Bernardo Palacios, Los Hermanos Sisterna, Demi Carabajal, Cosa de Duendes y Bomba Contreras. Tunuyán. Entrada general: 40 pesos.

21.00 – Festival de Alta Montaña Uspallata 2014. Se presentan: El humor del Profesor Acaro, Las Gueyas, Estrellas de Mariachis, Sol de Horus, Alexis Muñoz, Amutoy, Horacio Reitano, La Crema, Ballet Nuevo Tiempo Municipalidad de Barreal San Juan, Proyecto Ensamble Ataxia, Viejos Pro, Javier Agüero y Los Centinelas del Rock. Camping Municipal. Uspallata, Las Heras. 

21.00 – Julio Ortiz. Música latina y románticos. Plaza departamental de Godoy Cruz. Entrada libre y gratuita.

21.00 – Ciclo Picnic Musical. Propuesta: Reggae. Jardines de la Nave Cultural. Maza y España, Parque Central. Entrada libre y gratuita.

23.30 – “La Concubina”. Covers tributo al rock nacional con éxitos de Los Enanitos Verdes, Calamaro, Charly y más. Jackie O. Complejo Arena Maipú. Maza y Emilio Civit.

Teatro

22.00 – “Liberación femenina”. Teatro: Ciclo de Humor y Comedia. Grandes Éxitos. Volumen 1.Teatro Quintanilla, subsuelo Plaza Independencia. Entrada general: 40 pesos.

 

Jessica Torrijo en formato café-concert presenta: “Liberación femenina”.

 

Danza
22.00 – Milongas al aire libre. Para tomar clases, bailar libremente o ver bailar Plazoleta Vergara, Tiburcio Benegas y Arístides Villanueva. Gratis.

SÁBADO 8

Música

20.00 – Mendorock 2014. Tocan: Emma y Luzu, Vuelo, Androide, Peter Júpiter, Lavanda Fulton, Bigote y Parió la Choca. Espacio Cultural Julio Le Parc. Entrada libre y gratuita.

 

Orozco Barrientos en el Festival Nacional de la Tonada.

20.00 – Festival Nacional de la Tonada. Artistas: Los Huayra, Orozco Barrientos, Murga La Buena Moza, Ezequiel Gallardo, Los Caballeros Ton, Canto Nuevo, Grupo Esencia, De Mi Tierra, Estampas Cuyanas, Los Trovadores de Cuyo, Trío Buena Onda, Marcelino Azaguate, Nuevo Cuyo, Ecos del Ande, Reynoso Torino, Viñatero Cantor, Montuelle Dúo y Mariana Cayón. Tunuyán. Entrada general: 40 pesos.

21.00 – Festival de Alta Montaña Uspallata 2014. Se presentan: Espíritu de Tradición, Hermanos Carmona, Los Abuelos en la Danza, Los Hermanos Veas, Dúo Reynoso Torino, Grupo Lucerito, Rodrigo Galdeano, Las Hermanas Abraham, Agustín Muñoz u Lucas Mendez, los Caminantes, Los Del Valle, Alberto Donoso, Las Voces de las Lajitas y Coria Cuatro. Camping Municipal. Uspallata, Las Heras.

22.00 – “Bajocuerda”. Rock & Blues. Gato Negro Resto Bar. Beltrán 192, Godoy Cruz.

22.00 – “Un paseo musical” con Patricia y Julieta Cangemi. Jardines Municipales de Godoy Cruz. Perito Moreno y Rivadavia. Gratis.

23.00 – “Música a la carta” con Luciano Jannello. Jackie O. Complejo Arena Maipú. Maza y Emilio Civit.

Teatro 

17.00 – Ciclo “Teatro en la Sala Mayor”. Obra: “Villanos y flores”. Elenco La Casa de los Hechizos. Teatro Independencia, Chile y Espejo de Ciudad. Entrada general: 10 pesos.

19.00 – Ciclo “Sólo los niños”. Obra: “Ismael en el Oeste”, elenco Lita Tancredi. Teatro Pulgarcito, Parque General San Martín. Entrada libre y gratuita.

22.00 –“Lutherieces en Fuga”. Teatro: Ciclo de Humor y Comedia. Grandes Éxitos. Volumen 1. Teatro Quintanilla, subsuelo Plaza Independencia. Entrada general: 40 pesos.

 

 Lutherieces presentan: “Lutherieces en Fuga”.

22.00 – Ciclo de Teatro en la Sala Mayor. Obra: Cabaret Concert, de Adrián Sorrentino. Teatro Independencia, Chile y Espejo de Ciudad. Entrada general: 10 pesos.

Cine 

21.00 – Ciclo “Cine clásico de humor y amor”. Se proyecta: “Top secret”, en el Portal Alameda (Av. San Martín y Córdoba) Gratis.

DOMINGO 9

Música
20.00 – Mendorock 2014. Tocan: Nem, Raddar, Brutal, My Biggest Mystake, Cínical, La Vaina de Shuan y Arcángel. Espacio Cultural Julio Le Parc. Entrada libre y gratuita.

 

 

20.00 – Festival Nacional de la Tonada. Artistas: Abel Pintos, Sergio Galleguillo, Marianela y Betiana Abraham, Gustavo Guichon, Méndez-Cardozo, Lunas Morenas, Silva y sus Huarpes, Sonidos del Quetec, Juan Carlos Ramirez, Las Voces de Mi Tierra, Jorge Viñas, Folklore al Palo, Sebastián Garay, Oyarzabal-Navarro, Gustavo Chazarreta, Los Álvarez, Diego Godoy y Elección de la Reina de la Tonada. Tunuyan. Entrada general: 40 pesos.

 

Abel Pintos en el Festival Nacional de la Tonada.

21.00 – Festival de Alta Montaña Uspallata 2014. Se presentan: Los Federales, Chingolo, Ezequiel Gallardo, Baile de la Virreina del Festival 2013, Elección y coronación de la Reina de Alta Montaña, Mariachis Sol del Valle, La Danza en el Alma Ballet Folclórico, Marcelino Azaguate, Sombras del Alba, Dúo Nuevo Cuyo, Pablo Arias, Héctor Palou, Los Dueños. Camping Municipal. Uspallata, Las Heras.

Teatro 

19.00 – Ciclo “Sólo los niños”. Obra: “Circotrópico”, elenco Guakamolez Circo Teatro. Teatro Pulgarcito, Parque General San Martín. Entrada libre y gratuita.

19.30 – 3º edición del Día del Payaso Cuyano. Actuarán: Ciuguaylascruz, Tatán y Baquetita, Franchesco y Emilio, Lucrecia Insolenti, Paloma Galdame, Plastilina Lunar, Guadalupe Dolordepansa, Chinchu y muchos más. Parque Estación Benegas, Godoy Cruz. Entrada libre y gratuita.

20.00 – Infantil. Gabriela Céspedes: “Las locas margaritas y sus cajitas lambe lambe”. Animación musical con Nancy Ciccioli y Horacio Quiroga. Cierre Matías Zambroni presentando su repertorio de música latina y romántica. Plaza departamental de Godoy Cruz. Entrada libre y gratuita.

22.00 – “La felicidad”. Teatro: Ciclo de Humor y Comedia. Grandes Éxitos Volumen 1.Teatro Quintanilla, subsuelo Plaza Independencia. Entrada general: 40 pesos.

 

“La felicidad”, una comedia sobre el amor eterno.

Cine 

21.00 – Cine Argentino For Export. Se proyecta  “Un novio para mi mujer”. Parque Central. Entrada libre y gratuita.

 

http://www.mdzol.com/nota/515349-agenda-de-espectaculos-para-el-fin-de-semana/

Soledad y Abel Pintos, los esperados en el Valle

 

La popular fiesta del Valle de Uco vive desde ayer su 32° edición y, como es habitual, los números locales y visitantes engrosan la programación. Esta noche la presencia de Soledad Pastorutti y Víctor Heredia cerrarán la segunda noche de fiesta.

La cantante de Arequito regresa a la provincia tras un año de ausencia, luego de cumplirse 18 años de su debut en el escenario del Festival de Cosquín. Entre festivales y recitales prepara su nuevo álbum “Raíz”, que saldrá a la venta en marzo, y donde comparte el micrófono con las cantautoras Lila Downs y Niña Pastori.

Otro que vuelve con novedades es Víctor Heredia. El compositor popular cantará algunos temas de su último disco “Algún día”, como los clásicos “Sobreviviendo” y “Razón de vivir”. En tanto el trío Cacace Aliaga y Los Chimeno abrirán la segunda velada.

Mañana la grilla está abocada a todos artistas locales. El show de Orozco- Barrientos, la murga de estilo uruguaya La Buena Moza, De mi Tierra y Los Trovadores de Cuyo son algunos de los destacados. Para el cierre pisará el escenario la banda salteña Los Huayra.

La noche del domingo Sonidos del Quetec y las voces de mi tierra serán parte de las propuestas locales, que le darán paso al recital de Abel Pintos.

Vendimia 2014: Antonella Lazzarini es la esperanza de Tunuyán

Con 87 votos, Antonella Lazzarini, representante del Rotary Club El Portillo, fue coronada como la nueva Reina de la Vendimia de Tunuyán. La flamante soberana fue elegida en la fiesta que llevó por nombre “Siembra del Canto”. Por su parte, María de los Ángeles Romera, de Colonia Las Rosas, con 23 votos, es la nueva Virreina departamental.

La celebración del departamento valletano comenzó pasadas las 22, y tuvo un despliegue de 640 artistas en escena entre bailarines y actores que brillaron durante los 14 cuadros artísticos. Contó con la dirección general de Jessica Ale, guión de Claudio Castillo y musicalización de Juan José Martínez. Además se destacó la incorporación de música en vivo y composición original de la mano de Lisandro Bertín, en un tema musical titulado “Vendimia Siembra del Canto”.

Personajes

Como invitadas de honor, esta celebración contó con la presencia de las Reinas de Maipú, Luján de Cuyo junto a su virreina y San Carlos. Además estuvieron presentes la Reina y Virreina Provincial de la Cereza, la Reina departamental del Turismo y la Reina departamental de los Estudiantes.

En cuanto a la política, se vieron variadas figuras del departamento, de diversos tintes políticos. Varios concejales dijeron presente en la fiesta tunuyanina. La figura de la noche sin duda fue el Gobernador Francisco Pérez, quien junto a su mujer, Celina Sánchez, disfrutaron del espectáculo además de posar bajo los flashes de varias cámaras, junto a la compañía del intendente Martín Aveiro y su esposa.

Diego Martínez Palau y su esposa Marcela Gaua –quien es la última Reina Nacional de la Vendimia que tuvo Tunuyán-, Guillermo Elizalde, Marcelo Costa y María Inés Abrile de Vollmer fueron algunos de los ministros que acompañaron al gobernador.

¿Disculpas del Intendente a la ex-reina de Campo Los Andes?

Al inicio de la previa de la vendimia a las 20 hs., el intendente Martín Aveiro leyó un comunicado en el que explicó los motivos por los cuales el Municipio decidió la destitución de la reina de Campo Los Andes 2013, Yamila Escudero –quien se encuentra a días de dar a luz su bebita, Martina-.

Según el mandatario municipal, el departamento cuenta con una ordenanza en la que se destaca explícitamente que las soberanas no pueden ser madres ni contraer matrimonio durante el período de reinado. De todos modos, destacó que nunca fue la intención ofenderla a Yamila en su persona en el intento de cumplimentar el estatuto municipal.

“Siembra del Canto”

“La voz que tiene la tierra es a veces como una lluvia de hielo, y otras veces esa voz suena y ondula la cordillera. Pero nunca es un castigo, el llamado de la tierra, aunque a veces a sus hijos les confiese alguna pena.”

Esta fiesta valletana contó la historia de Manuel, hijo de esta tierra, que se ve devastado frente a la pérdida de su trabajo por el granizo, y decide en su gran tristeza, la cual simboliza con la pérdida del canto, emprender un viaje de búsqueda de sus propias razones para continuar la lucha. Es acompañado por la sabiduría del Cóndor, padre de todos los vuelos, dueño y custodio de América originaria.

Símbolos infaltables en escena fueron el General Don José de San Martín en el Manzano Histórico, los pueblos originarios y los inmigrantes, que fueron construyendo la historia del departamento.

Durante su viaje por América Latina encuentra las palabras de la Pachamama, Simón Bolívar y el Cristo del Corcovado de Brasil.

Aclamada de pie por todos los presentes, ingresa a escena la Virgen de la Carrodilla, ícono de los ruegos de los viñateros.

Para finalizar, al pueblo le retorna una voz en una Tonada y Tunuyán estalla en una celebración que año a año renueva su pasión por las tradiciones y por la esperanza que simboliza la Vendimia y el vino nuevo.

Despedida de las reinas salientes y mensaje de la flamante soberana de Tunuyán 2014

“Fue un año de aprendizaje, donde pude sentir el cariño de la gente. Estoy viviendo estos últimos momentos maravillosos con alegría. Espero que la próxima reina de Tunuyán porte con el mismo orgullo que yo la corona de este departamento”, decía Victoria Segura.

“Estoy muy orgullosa de mi pueblo. Este año coseché muchas amistades  que me ayudaron a crecer. Estoy agradecida por este hermoso año”, cerraba María Soledad, la virreina.

Por su parte, Antonella Lazzarini, reina 2014 expresó su agradecimiento a la Municipalidad de Tunuyán, a la institución que representó y a los viñateros, sin los cuales no sería posible esta fiesta.

Cierre a puro rock

Antes de las 0:30 hs comenzó el show ochentero que todos estaban esperando: Virus subió a escena, al compás de los gritos y aplausos eufóricos de los espectadores. Bailar, cantar y recordar fue la consigna de esta presentación que culminó con ovaciones; broche de oro para la Fiesta de la Vendimia de Tunuyán.

Especial producción periodística: Evelina Mailén Videla.

http://www.mdzol.com/nota/515152-vendimia-2014-antonella-lazzarini-es-la-esperanza-de-tunuyan/

Refuerzos de transporte por la Fiesta de la Tonada

El Ministerio de Transporte anunció que desde el jueves 6 hasta el domingo 9, a partir de las 18, se dispondrán más colectivos para viajar desde el Gran Mendoza a Tunuyán y de la misa manera para el regreso, debido al desarrollo del tradicional evento del Valle de Uco.

El Festival de la Tonada se realizará en Tunuyán desde el jueves 6 hasta el domingo 9 de febrero. Es por eso que la empresa Cata ha dispuesto refuerzos para garantizar la asistencia de quienes deseen participar de dicho evento, a partir de las 18 de los días en que se celebre el tradicional festival.

Los servicios reforzados serán tanto los comunes como los expresos y directos de la firma. Los mismos partirán desde la Terminal de Ómnibus Padre Contreras y llegarán hasta el Anfiteatro Municipal de Tunuyán; el regreso hacia la Ciudad se emprenderá desde el mismo Complejo.

El valor del pasaje para viajar en estos servicios no varía de la tarifa habitual:

• Común $27.50

• Expreso $34.70

• Diferencial $37.50

http://www.jornadaonline.com/Mendoza/108736

Recomendados del fin de semana

Festejos del año nuevo chino en el barrio porteño de belgrano

Durante mañana y el domingo se realizarán los festejos por el Año Nuevo Chino, en el barrio porteño de Belgrano. En la plaza Barrancas de Belgrano y en el barrio chino se celebrará la llegada del año 4712, consagrado al Caballo de Madera. Esta edición será organizada por miembros de la colectividad china cuyo objetivo es fomentar el intercambio cultural chino-argentino, con el auspicio de la Embajada de China en la Argentina, Oficina del Consejero Económico-Comercial de la Embajada de la República Popular China y el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

El público ha asistido de manera creciente a cada festejo del año nuevo chino en las nueve ediciones anteriores. En 2005 fueron 80 mil personas, en 2010, 180 mil, y en la última edición, 330 mil personas asistieron a los dos días de festejos entre las 10 y las 22 en el Barrio Chino y Barrancas de Belgrano. Para la edición 2014 los organizadores estiman una concurrencia de 350 mil personas.

De las fiestas que tiene la cultura china, ésta es las más importante y ancestral, ya que se celebra desde tiempos inmemoriales. La palabra “año” (“nian”) era, según la leyenda popular, una bestia que dormía en la profundidad de las aguas y que se despertaba una vez al año para comerse a los humanos. Como nadie sabía a quién le tocaba morir cada año, antes del despertar del monstruo se reunía toda la familia para cenar juntos, con charlas amenas y de contención. Al día siguiente, los sobrevivientes se saludaban con un “gonxi” (felicitaciones en chino) y celebraban la llegada de un nuevo período. En uno de los ataques del monstruo Nian, la gente descubrió, con la ayuda de una divinidad, que la bestia tenía temor al color rojo estridente y al ruido de la quema de bambúes. Desde entonces, para el año nuevo se usa ropa de color rojo, se pegan coplas rojas con mensajes de buen augurio en el marco de las puertas y se tiran petardos como una forma de ahuyentar los malos espíritus y dar bienvenida al nuevo año.

Verano sobre hielo, nueva propuesta en La Rural de Palermo

Durante todos los domingos del verano podrá disfrutarse de Verano Sobre Hielo en La Rural del barrio porteño de Palermo. Se trata de una propuesta para que grandes y chicos puedan disfrutar de una pista de hielo, a través de patinaje recreativo y juegos. Habrá, además, exhibiciones de hockey sobre hielo, patinaje artístico y un espacio gastronómico. Hay también clases de patinaje todos los días para todas las edades. La pista funciona todos los días de 14 a 21 y los fines de semana hasta las 22. Está montada desde el domingo 19 en el Pabellón Frers de La Rural, cuyo edificio ha sido declarado Monumento Histórico Nacional. La experiencia está, además, acompañada por una impactante puesta en escena e iluminación.

La Fiesta Nacional de la Tonada comienza en Tunuyán, Mendoza, 

La edición número 32 del Festival Nacional de la Tonada comenzará el próximo jueves y se extenderá hasta el domingo 9 en la localidad de Tunuyán, Mendoza. El espectáculo tendrá lugar en el anfiteatro municipal e incluirá más de 50 artistas, con presencias estelares en el cierre de cada una de las noches. El Chaqueño Palavecino, Víctor Heredia, Soledad y Abel Pintos son algunas de las figuras que han confirmado presencia.

A su vez, como anticipo, el miércoles, también en Tunuyán, se celebrará la fiesta departamental “Vendimia, siembra del canto”, con entrada libre y gratuita.

Música y teatro en el ciclo Anfi 2014 de la ciudad de Rosario

Hasta el 15 de febrero, todos los sábados a las 21 se expone una variada programación de espectáculos en el Anfiteatro Humberto del Nito (ubicado en el Parque Urquiza). La agenda incluye desde shows musicales de cumbia, rock, folclore y música romántica, hasta una velada teatral humorística. Mañana será Noche de Folclore con Orquesta Amigos del Chango, Santa Diabla y músicos locales; el próximo sábado, La Ruta del Rock, y el 15 de febrero habrá Noche Romántica.

 

Carlos Alonso: Pintor con manos de pueblo

Nació el 4 de febrero de 1929, en Tunuyán, Mendoza. Tunuyán debería celebrar en ese día al arte del departamento. Es pintor, dibujante y grabador, y narrador, y crítico gráfico y coleccionista de emociones. Sus trabajos están ligados a nuestros grandes dolores, pero quién, como Goya, pintó el dolor es porque estaba clamando por la esperanza

Seguramente debe emocionarse cuando escucha “Mañanitas de mi Tunuyán” de Jorge Viñas, porque él anduvo siendo niño por el espacio abierto al universo del Valle de Uco. No mucho, hasta los siete años, pero lo ojos niños suelen sacar fotografías imborrables. Después, sus padres lo emigraron a la ciudad de Mendoza. Siempre anduvo la imagen entre sus manos. Hasta en sus ademanes dibujaba.
Si usted puede acercar sus ojos a una exposición de Carlos, o a la reproducción de algunas de sus obras, no lo dude un instante. Va a encontrar ARTE con mayúscula, un tratamiento de la forma y del color que lo van a sorprender, y relatos pintados, gente que dice, circunstancias que claman, que gritan, que cantan, que, de alguna manera nos pintan a todos. Si usted puede acercarse a este mendocino, seguramente saldrá bulímico de orgullo.

Pequeña biografía
Como queda dicho, nació en Tunuyán. A los catorce años ingresó
a la Academia de Bellas Artes (Gracias señora Academia por
todos los talentos recogidos). entre sus maestros estaban ramón
Gomez Cornet (nada menos), y sergio sergi (nada menos
de nada menos). en 1947 recibió el primer premio en el salón
de estudiantes y en 1953 expuso en las galerías Viau de Buenos
Aires (no cualquiera). Con los pesitos juntados le apuntó a europa.
expuso en París y Madrid. en Londres descubrió el acrílico
que lo acompañó hasta ahora.
en 1951 ganó el primer premio del salón de Pintura de san rafael
(Mendoza), el del salón del norte (santiago del estero) y el
de dibujo en el salón del norte (Tucumán). en 1957 fue el ganador
del concurso convocado por la editorial emecé para ilustrar
la segunda parte de don Quijote de la Mancha yMartín Fierro
(1959), y dos años después obtuvo el Premio Chantal del salón
de Acuarelistas y Grabadores de Buenos Aires. en 1963 se editaron
en laUnión soviética unas tarjetas postales con imágenes
de “el Quijote”. Para las ilustraciones eligieron a Gustave doré,
Honoré daumier, Pablo Picasso y Carlos Alonso.
realizó múltiples exposiciones tanto individuales como colectivas
junto a otros artistas tales como Antonio Berni, Pedroni, Cerrito,
Giovanni Bressanini, Monaco, Luis Videla, robirosa, Horst,
etc.
Tras el golpe de estado de 1976 y la desaparición de su hija Paloma
al año siguiente, Alonso se exilió a italia, y en 1979 se trasladó
a Madrid.
dos años después regresó a Argentina, y a partir de ese momento
realizó numerosas exposiciones: en la Galería Palatina de

PINTAR CON EL PENSAMIENTO
Los cuadros de la niñez
La niñez nos marca. Todos lo sabemos. Hay imágenes capturadas por los ojos de niños que jamás nos abandonarán. En los ojos de Carlos, devolvedores de paisajes, muchas veces se pintó el miedo.
“Creo que es una atracción fatal, genética. Primero tengo una formación muy campesina y toda mi imaginería viene un poco de esos años entre los 10 y los 13 o 14, o antes quizás, cuando vivía bien en el campo y, si no vivía, pasaba con mis abuelos los tres meses de las vacaciones. Mis abuelos, que eran sicilianos e hijos de campesinos plantadores de naranjas, tenían una chacra en Tupungato, un rancho que ellos mismos hicieron con paja y barro. Ese es el origen y yo tengo muchos dibujos que provienen de esos terrores infantiles que son muy distintos a los urbanos, tienen otras connotaciones. Los aparecidos, la luz mala, los santones; había toda una imaginería que me tocó mucho y me produjo terrores infantiles. Después, cuando empecé a dibujar recuerdo esa tendencia muy natural a elegir esos momentos medios rotos, trizados, viscerales, momentos que no eran los académicos”
“En cuanto a aquellas escenas de la infancia, para un niño no eran algo tan espantoso; despertaban, más bien, una enorme curiosidad. Ahora soy abuelo por  y veo a mi nieto, que descubre una flor y es como una fiesta; no habla, pero el rostro, los brazos y su expresión reflejan que vio algo asombroso. O cuando le mostramos la luna llena por primera vez. Me miraba como diciendo: “¡Pero te das cuenta, lo que es esto!”. Esa escena lo marcará, o al menos empezará a ser suya, a ser parte de él. Si busco en mi propia raíz, siempre pensé que la injusticia es uno de los motores que me producen necesidad de respuesta. Eso, que no pertenece al plano específico de la pintura, siempre me provocó reacciones que determinaron mi espacio y mi camino”.

Cuando el odio se pintó de verde
Comprometido hasta la médula, el país nunca le pasó al lado, le pasó por el centro. La prepotencia viajaba en Falcon Verde, Carlos estaba en su mira.

“La noche entre el 23 y el 24 de marzo de 1976, nos encontrábamos reunidos en mi taller de la calle Esmeralda Hamlet Lima Quintana, Armando Tejada Gómez y el pintor Enrique Sobisch. Seguíamos por radio los acontecimientos del nuevo golpe de Estado. No imaginábamos esa noche cómo iban a cambiar nuestras vidas. Lo supimos a la mañana siguiente, cuando apareció muerto nuestro entrañable amigo, el editor Alberto Burnichón, que fue secuestrado por un grupo paraolicial junto a su hijo menor. Tiempo después, recogí el testimonio del hijo, que fue trasladado con él en el mimo Ford Falcon. Recordaba que su padre, durante el trayecto, increpaba con furia a los raptores, diciéndoles en la cara que eran unos “cobardes mal nacidos” y unos “sanguinarios asesinos”. Les exigía, además, que dejaran en libertad a su hijo, que era menor de edad. Increíblemente, logró que dejaran al pibe en un descampado. Alberto Burnichón fue asesinado esa misma noche y arrojado a un pozo en la localidad de Mendiolaza, provincia de Córdoba. A partir de este crimen supimos cómo sería la muerte que nos estaba destinada por el Proceso.
A los pocos días recibí en mi estudio la visita de dos personajes que, munidos de una carpeta mugrienta, con fotografías de indocumentados, se presentaron como funcionarios de migraciones. Mientras uno me mostraba hoja por hoja la carpeta para que yo reconociera a alguno, el otro husmeaba por mi taller. Luego de haberme informado sobre la falsedad del procedimiento, decidimos con mi familia dejar el estudio e irnos a dormir al departamento que nos facilitó un amigo. Teresa, mi mujer, estaba en el último mes de su embarazo y yo preparaba la muestra “El ganado y lo perdido”, que se inauguró en Art Gallery por esos días, con amenaza de bomba y desalojo de la galería incluido. Mi hijo Pablo nació el 12 de abril y un mes después decidimos salir del país. Esa mañana tomamos un taxi hacia el aeropuerto de Ezeiza. En la vereda de Esmeralda y Paraguay, quedó saludándonos, con los brazos en alto, mi hija Paloma”.
Fue la última vez que la vi.
“Yo estuve paralizado bastante tiempo. Ante cosas como esas hay una pérdida de confianza en la humanidad. Un poeta decía “el asesino desequilibra la naturaleza” y es así, desequilibra la propia naturaleza y lo que uno entiende como equilibrio general del comportamiento. Hay un nivel de crueldad, de salvajismo, de canibalismo en los militares que desorganiza la naturaleza y nos desorganiza. Por mucho tiempo. De alguna manera aún no nos curamos. Yo no me curaré más, pero la sociedad todavía no se cura. Todavía está enferma, está herida de ese genocidio. Y será también con el arte que se va a elaborar el remedio. Será a través de enfrentarnos muchas veces con el hecho, de analizarlo, de vivirlo, de sufrirlo, de  reproducirlo, de pintarlo, de escribirlo, de filmarlo”.
“Tragedias donde el corazón nunca se cura. De ahí en adelante el mundo es otro, uno es otro, todo el resto es otro”.

La infección del temor

“Le temo a no poder. Porque es muy difícil saber cuántas reservas tiene uno para enfrentar ese golpe. Esas situaciones límite son verdaderamente tan límite que no se pueden imaginar. Actuás como reacciona todo tu ser en ese momento. Con cobardía, o con valentía o con audacia o con violencia o con parálisis. Es un misterio. Y no frente al deterioro. El deterioro es un deterioro de la calidad que tiene la vida. A mí se me han muerto muchos amigos, entonces mi vida se ha deteriorado enormemente. He perdido diálogos, he perdido poesías, he perdido abrazos, he perdido todos aquellos ojos para los que pintaba”

Paloma sin alas
Paloma tenía vuelo, Paloma tenía estructura de ángel. Un día se la llevaron, los monstruos con charreteras. El corazón de Carlos ya no fue el mismo. Se arrugó de ausencia, comenzó a latir sin sangre. Solo la pintura podía conversar con él. Entonces aparecieron las más hermosas imágenes del horror. La realidad pintada con acrílico y gritos. La pintura de las lágrimas. Paloma militaba en la Juventud Peronista con toda la esperanza puesta en un país más justo, más de todos. Se la llevaron en junio de 1977. Las investigaciones de la Conadep no lograron ubicarla en ningún centro de detención. Carlos viaja hacia el exilio, primero Italia, luego Madrid, pero siempre la Argentina en el pensamiento diario, ese que se miente cercanía. En 1982 no puede más. El país ya había resuelto sacarse la lacra de encima, se asomaba la democracia. Pero Carlos, enamorado de Buenos Aires descubrió otro amor, sin asfalto y sin cemento.

Unquillo
“Cuando volví del exilio, con Teresa, mi mujer, y mi hijo menor, Pablo, Buenos Aires tenía una carga diabólica bastante manifiesta, se había transformado en algo mucho más gris, triste, con gente mucho más desconectada entre sí. Ahí estaban todos los miedos, las reservas, las precauciones que había que tener para los encuentros. Y, además, la sensación de los asesinos caminando por la calle era muy fuerte. Así que pensé que este lugar chiquito, perdido entre las serranías, Unquillo, era apropiado para mascar y elaborar mi propia tragedia personal. Fue una buena elección, me sirvió para recuperar el trabajo, para volver a encontrarme con elementos de la pintura que incluso nunca pensé que me pertenecerían. El paisaje, por ejemplo, que siempre sentí ajeno, resultó una forma de reencontrar salud y elementos de la pintura con vivacidad, encantamiento, sustancia, materia. Unquillo significó fundamentalmente un retiro, un silencio, un sitio pequeño que recupera mi principio campesino, la naturaleza, el manejo de los tiempos, pautas de mi existencia de niño, el momento de sembrar, el momento de cosechar, las no urgencias, se podrá cambiar todo menos los nueve meses de embarazo, decía un poeta”
La persistencia de Paloma
Pero cómo sacarse de encima el horror vivido, la ausencia de ese ser con el que andaba cielos desconocidos. Volver no significa perder el pasado. El pasado es una pintura rupestre que todos los días vuelve a brotar en los frisos de la caverna. Carlos tenía una Paloma de vuelo ausente en el alma, y también en las manos.
“A partir de mi vuelta pensé que era algo que debía hacer, en algún momento. Lo intenté durante años. Creo que al primer dibujo de la serie Manos anónimas lo hice en 1986. La sensación de parálisis era muy profunda. Fue muy difícil sobreponerse, incluso pictóricamente. Sobre todo por esa convicción de que no quería que cambiara de materia ni que se transformara “en un motivo estético”; quería que las circunstancias quedaran como estaban. Como si al pintarla comenzara el olvido. Para mí. Y al mismo tiempo, al menos ésa era mi aspiración, y no digo que lo haya logrado, era como empezar a integrarla a la memoria colectiva. La lucha entre hacerlo y no hacerlo fue importante. Está, además, lo difícil que es tocar esa materia cuando uno está involucrado. A El matadero o a la serie de Lo ganado y lo perdido podía hacerlo como una forma de militancia, de participación, pero esto era de la más profunda intimidad. Los primeros dibujos eran muy pequeños y de ahí fui tratando de crecer, porque a partir de ese momento mi vida tenía sentido si podía reflejar, incorporar a mi trabajo y a la memoria colectiva esas pinturas. Todo lo que hice fueron pequeños estudios, bocetos, y algunos pocos cuadros. Uno de ellos está en La Habana, un tríptico, el único que realmente logré”.
La belleza del horror
Entonces es lógico que la violencia, el horror, se le meta en sus obras, lo viva sangre adentro y pincel afuera. La obra no puede renunciar a su creador, la obras es como su creador. Poco sabemos del Shakespeare cotidiano, si tenía insomnio, si le gustaba cantar, si se emborrachaba con wisky de segunda, pero conocemos su obra, entonces, lo conocemos. Carlos y el dolor, Carlos y la violencia. –
“A pesar mío, diría. Soy todo lo contrario a una persona violenta. Desde pibe era una especie de componedor de relaciones, de diferencias. Ni soy ni fui un tipo violento. Pero la violencia es un sino argentino. Nací en el ’29, con el primer golpe. Yo diría que en mis cuadros la violencia está como forma de reflexión acerca de su capacidad destructora. Hay otro tipo de violencia, más estética; en mi caso apunta más a un exorcismo, a intentar borrarla. Siempre lo sentí así. Y sigue siendo indudable que después de El matadero, de La guerra del malón y del Proceso, seguimos aprendiendo sobre el dolor y la muerte. Siempre vamos detrás. Son las muertes violentas las que de alguna manera producen en la sociedad la necesidad de cambios, las grandes reflexiones y rebeliones”.
¿Puede una pintura que muestre el horror de un asesinato ser una bella pintura? Me veo en el museo del Prado, frente a la obra de los fusilamientos del 3 de mayo de 1808. Me veo durante una hora sin moverme contemplando el cuadro y me escucho decir: ¡Qué maravilla! ¿Es correcto? Si la obra muestra una muerte horrible ¿es correcto que yo me maraville con la obra?

“Pasa que la contradicción está implícita. Es indudable que al tratar la materia el autor tiene un disfrute, un placer. El placer del logro, la realización. En el crecimiento de una obra hay dificultades, tropiezos, fracasos, pero el hecho de poder hacerla confirma la propia capacidad y potencia y ahí hay un disfrute, sin duda. Y en el espectador se produce lo mismo; de pronto el encantamiento de la factura, de la realización de una persona en busca de lo estético, lo bien pintado, puede llevar a alguien a decir “qué magnífico” o “qué bello” sobre una escena que, en realidad, es una tortura de una embarazada. Se produce esta dualidad”.
“Recuerdo un hecho concreto cuando hice la exposición que se llamó Manos anónimas, en Palatina. Yo estaba entre la gente de la muestra y una señora miraba uno de los cuadros de la serie de las mujeres embarazadas cuya panza es pateada por una bota militar, y la mujer decía “Qué maravilla”. ¡¿Qué es la maravilla?! Se refería, seguramente, a la pintura, pero de todas maneras el comentario era un gran equívoco, estaba al borde de un equívoco insostenible. Insostenible para mí mismo. Ese era el conflicto que nunca resolví”.
Rutina de pinceles
.Carlos pinta y expone con una prepotencia de trabajo que asombra. La tarea es la del sembrador, todos los días mirar al cielo, todos los días hacer un surco.
“Trabajo todos los días de nueve a doce. Tengo un taller grande donde despliego las telas. Y abiertas, las telas me piden que avance. Después almuerzo, duermo una buena siesta, y por la tarde dibujo en mi casa, hasta la noche. A veces tengo insomnio, así que sigo dibujando después de cenar, y allí surgen los dibujos más turbios, más eróticos, más nocturnos, los dibujos de sonámbulo. Cambian mucho mis dibujos del día en relación con los de la noche”
Carlos pintado por Carlos
Sus cuadros son admirados hasta el paroxismo. Es requerido por famosas galerías, encumbradas salas, salones internacionales. Tener “un Alonso” es tener una joya, de las buenas, no de esas que se encuentran, por fortuna en la naturaleza, sino de las verdaderas, de las creadas por las manos de un hombre. Pero a veces lo que piensan los otros del artista no es lo que piensa el artista del artista. Un día dijo: “Pinto siempre, pero lo que hago me conforma cada vez menos”

“Bueno, no siempre fue así. Cuando uno tiene treinta años y pinta, todo es la consagración de la vocación. Y eso va mucho más allá del conformismo y el logro; el estar en lo que uno elige, o para lo que uno fue elegido, es un disfrute que va mucho más allá de si está bien o mal, mejor o peor, si se vende o no. Todo es más catártico y menos especulativo. A medida que uno crece ve más, va creciendo también el crítico y surge un grado de “responsabilidad” por el propio trabajo. No sé si eso es sano o no. Y tampoco sé si es mejor esa cierta “irresponsabilidad” que tienen otros autores, que yo admiro. Rómulo Macció es quien mejor ofició este último punto de vista. Porque él pinta. Y como él mismo dice, la pintura resiste. A uno podrá gustarle más un cuadro que otro, pero un autor es eso, no es un profesional que hace sólo cuadros “buenos”, “logrados”, “de museo”. La del pintor es toda una vida de batallas: muchas se pierden, algunas se ganan, otras se empatan. Macció tiene una vitalidad que es superior a lo crítico, al juicio de la historia, al propio juicio, al de la sociedad. Se trata de hechos contundentes que reflejan la experiencia de un pintor frente a la tela. Yo no he logrado ese ideal, no he sido un pintor puro, he estado mucho más contaminado. Para mí el ciudadano era más importante que el pintor”.

Claroscuros
Le he escuchado decir, a aquellos que saben de pintura mucho más, pero mucho más que yo: “Carlos es mucho mejor dibujante que pintor”. “Carlos es un gran pintor que magnifica el dibujo”. Digo yo, con mi ignorancia académica: es un artista total, pleno. Si un artista logra emocionar al espectador al grado que Carlos lo logra, no sólo está transmitiendo belleza, está compartiendo vida, que es otra cosa. Pero la crítica ¿los críticos?, son capaces de analizar con crueldad aquellas obras que ellos nunca podrán hacer.

“Sufrí eso algunos años. Me hostigaron mucho diciendo que era un excelente dibujante pero un pintor malo. Luego están todos los enemigos que derivan de una posición de militante en el Partido Comunista, pero eso no lo sufrí, porque era una elección. Ahora, cuando me echaron del PC (a fines de los ’60), ahí sí sufrí. Porque fue algo totalmente inmerecido. Yo era una persona convencida y fiel, aunque pintaba lo que me salía de los cojones y no lo que me dijeran acá o desde Moscú. Se consideró un delito ideológico que hiciera así esa serie de Spilimbergo: yo lo pinté como lo vi. Me tiraron al tacho de la basura y me excluyeron de una comunidad de pares que había elegido para trabajar y militar, incluso para pintar. Eso fue doloroso. Lo otro no, porque la propia historia del arte enseña cómo son los amores y los odios, los favoritismos y los rechazos. Son tantos los pintores fustigados que luego tuvieron su reconocimiento que uno ya tiene eso asimilado”.

Carlos espectador
Borges decía que era mejor lector que escritor. Creo que tiene que ver con el asombro de la contemplación, uno puede sentirse orgulloso de su obra pero no asombrado. También creo que tiene que ver con el aprendizaje. Cuando uno siente que el colega ha construido una maravilla tiene ganas de que se le peguen en la piel, hilachitas de ella, uno se contagia. Pero creo, en definitiva, que tiene que ver con la humildad, con la certeza incuestionable, de que hay gente que puede hacer las cosas mejor que nosotros.
“Yo disfruto mucho de la pintura de todos los tiempos. Soy un espectador abierto. Disfruto tanto la pintura abstracta como la figurativa, soy bastante ecléctico en eso. Y además están, desde luego, los pintores que yo sigo desde siempre, los pintores carnales como Rembrandt, como Gutiérrez Solanas, como Picasso, como Goya”.
La próxima muestra
Se está gestando, no se sabe dónde se hará o si los cuadros alguna vez serán colgados, pero se está gestando. La obra que más importa es la que haremos mañana. Carlos sale al día a tutuearse con el dolor, con los recuerdos, pero también con la esperanza.  La obra bella de los humanos cuenta con él. Vive en Unquillo, pero sigue cantando por el Valle de Uco: “Mañanitas de mi Tunuyán….

Carlos Alonso
Pintor con manos de pueblo
Por Jorge Sosa
Nació el 4 de febrero de 1929, en Tunuyán, Mendoza. Tunuyán debería celebrar en ese día al arte del departamento. Es pintor, dibujante y grabador, y narrador, y crítico gráfico y coleccionista de emociones. Sus trabajos están ligados a nuestros grandes dolores, pero quién, como Goya, pintó el dolor es porque estaba clamando por la esperanza
Seguramente debe emocionarse cuando escucha “Mañanitas de mi Tunuyán” de Jorge Viñas, porque él anduvo siendo niño por el espacio abierto al universo del Valle de Uco. No mucho, hasta los siete años, pero lo ojos niños suelen sacar fotografías imborrables. Después, sus padres lo emigraron a la ciudad de Mendoza. Siempre anduvo la imagen entre sus manos. Hasta en sus ademanes dibujaba.
Si usted puede acercar sus ojos a una exposición de Carlos, o a la reproducción de algunas de sus obras, no lo dude un instante. Va a encontrar ARTE con mayúscula, un tratamiento de la forma y del color que lo van a sorprender, y relatos pintados, gente que dice, circunstancias que claman, que gritan, que cantan, que, de alguna manera nos pintan a todos. Si usted puede acercarse a este mendocino, seguramente saldrá bulímico de orgullo.

Pequeña biografía  (juan: tipografía más chica)
Como queda dicho, nació en Tunuyán.  A los catorce años ingresó a la Academia de Bellas Artes (Gracias señora Academia por todos los talentos recogidos). Entre sus maestros estaban Ramón Gomez Cornet (nada menos), y Sergio Sergi (nada menos de nada menos). En 1947 recibió el primer premio en el Salón de Estudiantes y en 1953 expuso en las galerías Viau de Buenos Aires (no cualquiera). Con los pesitos juntados le apuntó a Europa. Expuso en París y Madrid. En Londres descubrió el acrílico que lo acompañó hasta ahora.
En HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/1951” \o “1951”1951 ganó el primer premio del Salón de Pintura de HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/San_Rafael_(Mendoza)” \o “San Rafael (Mendoza)”San Rafael (Mendoza), el del Salón del Norte (HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/Santiago_del_Estero_(capital)” \o “Santiago del Estero (capital)”Santiago del Estero) y el de dibujo en el Salón del Norte (HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/Tucum%C3%A1n” \o “Tucumán”Tucumán). En HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/1957” \o “1957”1957 fue el ganador del concurso convocado por la editorial Emecé para ilustrar la segunda parte de HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/Don_Quijote_de_la_Mancha” \o “Don Quijote de la Mancha”Don Quijote de la Mancha yHIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/Mart%C3%ADn_Fierro” \o “Martín Fierro”Martín Fierro (HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/1959” \o “1959”1959), y dos años después obtuvo el Premio Chantal del Salón de Acuarelistas y Grabadores de HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/Buenos_Aires” \o “Buenos Aires”Buenos Aires. En 1963 se editaron en laHIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/Uni%C3%B3n_Sovi%C3%A9tica” \o “Unión Soviética”Unión Soviética unas HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/Tarjeta_postal” \o “Tarjeta postal”tarjetas postales con imágenes de “El Quijote”. Para las ilustraciones eligieron a  HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/Gustave_Dor%C3%A9” \o “Gustave Doré” Gustave Doré, HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/Honor%C3%A9_Daumier” \o “Honoré Daumier”Honoré Daumier, HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/Pablo_Picasso” \o “Pablo Picasso”Pablo Picasso y Carlos Alonso. Realizó múltiples exposiciones tanto individuales como colectivas junto a otros artistas tales como HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/Antonio_Berni” \o “Antonio Berni”Antonio Berni, Pedroni, Cerrito, Giovanni Bressanini, Monaco, HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/Luis_Videla” \o “Luis Videla”Luis Videla, Robirosa, Horst, etc.
Tras el HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/Golpe_de_Estado” \o “Golpe de Estado”golpe de Estado de HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/1976” \o “1976”1976 y la HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/Desaparecidos_por_la_dictadura_argentina” \o “Desaparecidos por la dictadura argentina”desaparición de su hija Paloma al año siguiente, Alonso se exilió a Italia, y en HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/1979” \o “1979”1979 se trasladó a Madrid.
Dos años después regresó a Argentina, y a partir de ese momento realizó numerosas exposiciones: en la Galería Palatina de Buenos Aires, entre los años HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/1982” \o “1982”1982 y HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/1996” \o “1996”1996; en el HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/Museo_Nacional_de_Bellas_Artes_de_Argentina” \o “Museo Nacional de Bellas Artes de Argentina”Museo Nacional de Bellas Artes, de HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/1990” \o “1990”1990 a HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/1995” \o “1995”1995, y en otras muchas galerías argentinas, como la Zurbarán o la Bariloche.
En los 1990 se le encargaron las pinturas para los paneles centrales en la cúpula del HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/Teatro_del_Libertador_General_San_Mart%C3%ADn” \o “Teatro del Libertador General San Martín”Teatro del Libertador General San Martín en la importante ciudad argentina de HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/Ciudad_de_C%C3%B3rdoba_(Argentina)” \o “Ciudad de Córdoba (Argentina)”Córdoba.
Sus obras se han expuesto en numerosas muestras, entre otras, en la Art Gallery International (Buenos Aires); el Museo Nacional de Bellas Artes (HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%A9xico” \o “México”México), y el HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/Museo_de_Bellas_Artes_(Cuba)” \o “Museo de Bellas Artes (Cuba)”Museo de Arte de La Habana (HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/Cuba” \o “Cuba”Cuba), donde realizó una exposición de tapices y collages. En 1971 expuso en las galerías HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/Italia” \o “Italia”italianas Giulia de HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/Roma” \o “Roma”Roma y Eidos de HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/Mil%C3%A1n” \o “Milán”Milán, además de en la Bedford Gallery de Londres.
Ilustró, entre otros libros,” Romancero criollo” de León Benarós; “Antología de Juan”; “El juguete rabioso”, de Roberto Arlt; “El Matadero” de Esteban Echeverría y “La Divina Comedia de Dante Alighieri”.
En el año 2005,en el que la obra de Cervantes cumplía 400 años, el Museo del Dibujo y la Ilustración realizó una muestra homenaje en el HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Museo_Eduardo_S%C3%ADvori&action=edit&redlink=1” \o “Museo Eduardo Sívori (aún no redactado)”Museo Eduardo Sívori de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, donde fueron expuestos grabados y dibujos originales realizados por Carlos Alonso para ilustrar la obra más significativa del habla hispana.
Alonso ha recibido en dos ocasiones el HIPERVINCULO “http://es.wikipedia.org/wiki/Premio_Konex” \o “Premio Konex”Premio Konex de Platino (1982 y 1992) como el mejor Dibujante de la década de la Argentina y en 2012 recibió el Premio Konex Mención Especial a la Trayectoria de las Artes Visuales por su trabajo de toda su vida. ,
Se consignan 102 exposiciones individuales y 112 colectivas: su obra recorrió, además de todo el país, las principales capitales americanas y europeas y llegó a Saigón, Tokio y Kioto, entre otras ciudades asiáticas. Cervantes, Viñas, Borges, Neruda, Lugones y José Hernández son algunos de los autores de los 36 libros que ilustró.
Reside, actualmente en Unquillo, Córdoba.

PINTAR CON EL PENSAMIENTO
Los cuadros de la niñez
La niñez nos marca. Todos lo sabemos. Hay imágenes capturadas por los ojos de niños que jamás nos abandonarán. En los ojos de Carlos, devolvedores de paisajes, muchas veces se pintó el miedo.
“Creo que es una atracción fatal, genética. Primero tengo una formación muy campesina y toda mi imaginería viene un poco de esos años entre los 10 y los 13 o 14, o antes quizás, cuando vivía bien en el campo y, si no vivía, pasaba con mis abuelos los tres meses de las vacaciones. Mis abuelos, que eran sicilianos e hijos de campesinos plantadores de naranjas, tenían una chacra en Tupungato, un rancho que ellos mismos hicieron con paja y barro. Ese es el origen y yo tengo muchos dibujos que provienen de esos terrores infantiles que son muy distintos a los urbanos, tienen otras connotaciones. Los aparecidos, la luz mala, los santones; había toda una imaginería que me tocó mucho y me produjo terrores infantiles. Después, cuando empecé a dibujar recuerdo esa tendencia muy natural a elegir esos momentos medios rotos, trizados, viscerales, momentos que no eran los académicos”
“En cuanto a aquellas escenas de la infancia, para un niño no eran algo tan espantoso; despertaban, más bien, una enorme curiosidad. Ahora soy abuelo por  y veo a mi nieto, que descubre una flor y es como una fiesta; no habla, pero el rostro, los brazos y su expresión reflejan que vio algo asombroso. O cuando le mostramos la luna llena por primera vez. Me miraba como diciendo: “¡Pero te das cuenta, lo que es esto!”. Esa escena lo marcará, o al menos empezará a ser suya, a ser parte de él. Si busco en mi propia raíz, siempre pensé que la injusticia es uno de los motores que me producen necesidad de respuesta. Eso, que no pertenece al plano específico de la pintura, siempre me provocó reacciones que determinaron mi espacio y mi camino”.

Cuando el odio se pintó de verde
Comprometido hasta la médula, el país nunca le pasó al lado, le pasó por el centro. La prepotencia viajaba en Falcon Verde, Carlos estaba en su mira.

“La noche entre el 23 y el 24 de marzo de 1976, nos encontrábamos reunidos en mi taller de la calle Esmeralda Hamlet Lima Quintana, Armando Tejada Gómez y el pintor Enrique Sobisch. Seguíamos por radio los acontecimientos del nuevo golpe de Estado. No imaginábamos esa noche cómo iban a cambiar nuestras vidas. Lo supimos a la mañana siguiente, cuando apareció muerto nuestro entrañable amigo, el editor Alberto Burnichón, que fue secuestrado por un grupo paraolicial junto a su hijo menor. Tiempo después, recogí el testimonio del hijo, que fue trasladado con él en el mimo Ford Falcon. Recordaba que su padre, durante el trayecto, increpaba con furia a los raptores, diciéndoles en la cara que eran unos “cobardes mal nacidos” y unos “sanguinarios asesinos”. Les exigía, además, que dejaran en libertad a su hijo, que era menor de edad. Increíblemente, logró que dejaran al pibe en un descampado. Alberto Burnichón fue asesinado esa misma noche y arrojado a un pozo en la localidad de Mendiolaza, provincia de Córdoba. A partir de este crimen supimos cómo sería la muerte que nos estaba destinada por el Proceso.
A los pocos días recibí en mi estudio la visita de dos personajes que, munidos de una carpeta mugrienta, con fotografías de indocumentados, se presentaron como funcionarios de migraciones. Mientras uno me mostraba hoja por hoja la carpeta para que yo reconociera a alguno, el otro husmeaba por mi taller. Luego de haberme informado sobre la falsedad del procedimiento, decidimos con mi familia dejar el estudio e irnos a dormir al departamento que nos facilitó un amigo. Teresa, mi mujer, estaba en el último mes de su embarazo y yo preparaba la muestra “El ganado y lo perdido”, que se inauguró en Art Gallery por esos días, con amenaza de bomba y desalojo de la galería incluido. Mi hijo Pablo nació el 12 de abril y un mes después decidimos salir del país. Esa mañana tomamos un taxi hacia el aeropuerto de Ezeiza. En la vereda de Esmeralda y Paraguay, quedó saludándonos, con los brazos en alto, mi hija Paloma”.
Fue la última vez que la vi.
“Yo estuve paralizado bastante tiempo. Ante cosas como esas hay una pérdida de confianza en la humanidad. Un poeta decía “el asesino desequilibra la naturaleza” y es así, desequilibra la propia naturaleza y lo que uno entiende como equilibrio general del comportamiento. Hay un nivel de crueldad, de salvajismo, de canibalismo en los militares que desorganiza la naturaleza y nos desorganiza. Por mucho tiempo. De alguna manera aún no nos curamos. Yo no me curaré más, pero la sociedad todavía no se cura. Todavía está enferma, está herida de ese genocidio. Y será también con el arte que se va a elaborar el remedio. Será a través de enfrentarnos muchas veces con el hecho, de analizarlo, de vivirlo, de sufrirlo, de  reproducirlo, de pintarlo, de escribirlo, de filmarlo”.
“Tragedias donde el corazón nunca se cura. De ahí en adelante el mundo es otro, uno es otro, todo el resto es otro”.

La infección del temor

“Le temo a no poder. Porque es muy difícil saber cuántas reservas tiene uno para enfrentar ese golpe. Esas situaciones límite son verdaderamente tan límite que no se pueden imaginar. Actuás como reacciona todo tu ser en ese momento. Con cobardía, o con valentía o con audacia o con violencia o con parálisis. Es un misterio. Y no frente al deterioro. El deterioro es un deterioro de la calidad que tiene la vida. A mí se me han muerto muchos amigos, entonces mi vida se ha deteriorado enormemente. He perdido diálogos, he perdido poesías, he perdido abrazos, he perdido todos aquellos ojos para los que pintaba”

Paloma sin alas
Paloma tenía vuelo, Paloma tenía estructura de ángel. Un día se la llevaron, los monstruos con charreteras. El corazón de Carlos ya no fue el mismo. Se arrugó de ausencia, comenzó a latir sin sangre. Solo la pintura podía conversar con él. Entonces aparecieron las más hermosas imágenes del horror. La realidad pintada con acrílico y gritos. La pintura de las lágrimas. Paloma militaba en la Juventud Peronista con toda la esperanza puesta en un país más justo, más de todos. Se la llevaron en junio de 1977. Las investigaciones de la Conadep no lograron ubicarla en ningún centro de detención. Carlos viaja hacia el exilio, primero Italia, luego Madrid, pero siempre la Argentina en el pensamiento diario, ese que se miente cercanía. En 1982 no puede más. El país ya había resuelto sacarse la lacra de encima, se asomaba la democracia. Pero Carlos, enamorado de Buenos Aires descubrió otro amor, sin asfalto y sin cemento.

Unquillo
“Cuando volví del exilio, con Teresa, mi mujer, y mi hijo menor, Pablo, Buenos Aires tenía una carga diabólica bastante manifiesta, se había transformado en algo mucho más gris, triste, con gente mucho más desconectada entre sí. Ahí estaban todos los miedos, las reservas, las precauciones que había que tener para los encuentros. Y, además, la sensación de los asesinos caminando por la calle era muy fuerte. Así que pensé que este lugar chiquito, perdido entre las serranías, Unquillo, era apropiado para mascar y elaborar mi propia tragedia personal. Fue una buena elección, me sirvió para recuperar el trabajo, para volver a encontrarme con elementos de la pintura que incluso nunca pensé que me pertenecerían. El paisaje, por ejemplo, que siempre sentí ajeno, resultó una forma de reencontrar salud y elementos de la pintura con vivacidad, encantamiento, sustancia, materia. Unquillo significó fundamentalmente un retiro, un silencio, un sitio pequeño que recupera mi principio campesino, la naturaleza, el manejo de los tiempos, pautas de mi existencia de niño, el momento de sembrar, el momento de cosechar, las no urgencias, se podrá cambiar todo menos los nueve meses de embarazo, decía un poeta”
La persistencia de Paloma
Pero cómo sacarse de encima el horror vivido, la ausencia de ese ser con el que andaba cielos desconocidos. Volver no significa perder el pasado. El pasado es una pintura rupestre que todos los días vuelve a brotar en los frisos de la caverna. Carlos tenía una Paloma de vuelo ausente en el alma, y también en las manos.
“A partir de mi vuelta pensé que era algo que debía hacer, en algún momento. Lo intenté durante años. Creo que al primer dibujo de la serie Manos anónimas lo hice en 1986. La sensación de parálisis era muy profunda. Fue muy difícil sobreponerse, incluso pictóricamente. Sobre todo por esa convicción de que no quería que cambiara de materia ni que se transformara “en un motivo estético”; quería que las circunstancias quedaran como estaban. Como si al pintarla comenzara el olvido. Para mí. Y al mismo tiempo, al menos ésa era mi aspiración, y no digo que lo haya logrado, era como empezar a integrarla a la memoria colectiva. La lucha entre hacerlo y no hacerlo fue importante. Está, además, lo difícil que es tocar esa materia cuando uno está involucrado. A El matadero o a la serie de Lo ganado y lo perdido podía hacerlo como una forma de militancia, de participación, pero esto era de la más profunda intimidad. Los primeros dibujos eran muy pequeños y de ahí fui tratando de crecer, porque a partir de ese momento mi vida tenía sentido si podía reflejar, incorporar a mi trabajo y a la memoria colectiva esas pinturas. Todo lo que hice fueron pequeños estudios, bocetos, y algunos pocos cuadros. Uno de ellos está en La Habana, un tríptico, el único que realmente logré”.
La belleza del horror
Entonces es lógico que la violencia, el horror, se le meta en sus obras, lo viva sangre adentro y pincel afuera. La obra no puede renunciar a su creador, la obras es como su creador. Poco sabemos del Shakespeare cotidiano, si tenía insomnio, si le gustaba cantar, si se emborrachaba con wisky de segunda, pero conocemos su obra, entonces, lo conocemos. Carlos y el dolor, Carlos y la violencia. –
“A pesar mío, diría. Soy todo lo contrario a una persona violenta. Desde pibe era una especie de componedor de relaciones, de diferencias. Ni soy ni fui un tipo violento. Pero la violencia es un sino argentino. Nací en el ’29, con el primer golpe. Yo diría que en mis cuadros la violencia está como forma de reflexión acerca de su capacidad destructora. Hay otro tipo de violencia, más estética; en mi caso apunta más a un exorcismo, a intentar borrarla. Siempre lo sentí así. Y sigue siendo indudable que después de El matadero, de La guerra del malón y del Proceso, seguimos aprendiendo sobre el dolor y la muerte. Siempre vamos detrás. Son las muertes violentas las que de alguna manera producen en la sociedad la necesidad de cambios, las grandes reflexiones y rebeliones”.
¿Puede una pintura que muestre el horror de un asesinato ser una bella pintura? Me veo en el museo del Prado, frente a la obra de los fusilamientos del 3 de mayo de 1808. Me veo durante una hora sin moverme contemplando el cuadro y me escucho decir: ¡Qué maravilla! ¿Es correcto? Si la obra muestra una muerte horrible ¿es correcto que yo me maraville con la obra?

“Pasa que la contradicción está implícita. Es indudable que al tratar la materia el autor tiene un disfrute, un placer. El placer del logro, la realización. En el crecimiento de una obra hay dificultades, tropiezos, fracasos, pero el hecho de poder hacerla confirma la propia capacidad y potencia y ahí hay un disfrute, sin duda. Y en el espectador se produce lo mismo; de pronto el encantamiento de la factura, de la realización de una persona en busca de lo estético, lo bien pintado, puede llevar a alguien a decir “qué magnífico” o “qué bello” sobre una escena que, en realidad, es una tortura de una embarazada. Se produce esta dualidad”.
“Recuerdo un hecho concreto cuando hice la exposición que se llamó Manos anónimas, en Palatina. Yo estaba entre la gente de la muestra y una señora miraba uno de los cuadros de la serie de las mujeres embarazadas cuya panza es pateada por una bota militar, y la mujer decía “Qué maravilla”. ¡¿Qué es la maravilla?! Se refería, seguramente, a la pintura, pero de todas maneras el comentario era un gran equívoco, estaba al borde de un equívoco insostenible. Insostenible para mí mismo. Ese era el conflicto que nunca resolví”.
Rutina de pinceles
.Carlos pinta y expone con una prepotencia de trabajo que asombra. La tarea es la del sembrador, todos los días mirar al cielo, todos los días hacer un surco.
“Trabajo todos los días de nueve a doce. Tengo un taller grande donde despliego las telas. Y abiertas, las telas me piden que avance. Después almuerzo, duermo una buena siesta, y por la tarde dibujo en mi casa, hasta la noche. A veces tengo insomnio, así que sigo dibujando después de cenar, y allí surgen los dibujos más turbios, más eróticos, más nocturnos, los dibujos de sonámbulo. Cambian mucho mis dibujos del día en relación con los de la noche”
Carlos pintado por Carlos
Sus cuadros son admirados hasta el paroxismo. Es requerido por famosas galerías, encumbradas salas, salones internacionales. Tener “un Alonso” es tener una joya, de las buenas, no de esas que se encuentran, por fortuna en la naturaleza, sino de las verdaderas, de las creadas por las manos de un hombre. Pero a veces lo que piensan los otros del artista no es lo que piensa el artista del artista. Un día dijo: “Pinto siempre, pero lo que hago me conforma cada vez menos”

“Bueno, no siempre fue así. Cuando uno tiene treinta años y pinta, todo es la consagración de la vocación. Y eso va mucho más allá del conformismo y el logro; el estar en lo que uno elige, o para lo que uno fue elegido, es un disfrute que va mucho más allá de si está bien o mal, mejor o peor, si se vende o no. Todo es más catártico y menos especulativo. A medida que uno crece ve más, va creciendo también el crítico y surge un grado de “responsabilidad” por el propio trabajo. No sé si eso es sano o no. Y tampoco sé si es mejor esa cierta “irresponsabilidad” que tienen otros autores, que yo admiro. Rómulo Macció es quien mejor ofició este último punto de vista. Porque él pinta. Y como él mismo dice, la pintura resiste. A uno podrá gustarle más un cuadro que otro, pero un autor es eso, no es un profesional que hace sólo cuadros “buenos”, “logrados”, “de museo”. La del pintor es toda una vida de batallas: muchas se pierden, algunas se ganan, otras se empatan. Macció tiene una vitalidad que es superior a lo crítico, al juicio de la historia, al propio juicio, al de la sociedad. Se trata de hechos contundentes que reflejan la experiencia de un pintor frente a la tela. Yo no he logrado ese ideal, no he sido un pintor puro, he estado mucho más contaminado. Para mí el ciudadano era más importante que el pintor”.

Claroscuros
Le he escuchado decir, a aquellos que saben de pintura mucho más, pero mucho más que yo: “Carlos es mucho mejor dibujante que pintor”. “Carlos es un gran pintor que magnifica el dibujo”. Digo yo, con mi ignorancia académica: es un artista total, pleno. Si un artista logra emocionar al espectador al grado que Carlos lo logra, no sólo está transmitiendo belleza, está compartiendo vida, que es otra cosa. Pero la crítica ¿los críticos?, son capaces de analizar con crueldad aquellas obras que ellos nunca podrán hacer.

“Sufrí eso algunos años. Me hostigaron mucho diciendo que era un excelente dibujante pero un pintor malo. Luego están todos los enemigos que derivan de una posición de militante en el Partido Comunista, pero eso no lo sufrí, porque era una elección. Ahora, cuando me echaron del PC (a fines de los ’60), ahí sí sufrí. Porque fue algo totalmente inmerecido. Yo era una persona convencida y fiel, aunque pintaba lo que me salía de los cojones y no lo que me dijeran acá o desde Moscú. Se consideró un delito ideológico que hiciera así esa serie de Spilimbergo: yo lo pinté como lo vi. Me tiraron al tacho de la basura y me excluyeron de una comunidad de pares que había elegido para trabajar y militar, incluso para pintar. Eso fue doloroso. Lo otro no, porque la propia historia del arte enseña cómo son los amores y los odios, los favoritismos y los rechazos. Son tantos los pintores fustigados que luego tuvieron su reconocimiento que uno ya tiene eso asimilado”.

Carlos espectador
Borges decía que era mejor lector que escritor. Creo que tiene que ver con el asombro de la contemplación, uno puede sentirse orgulloso de su obra pero no asombrado. También creo que tiene que ver con el aprendizaje. Cuando uno siente que el colega ha construido una maravilla tiene ganas de que se le peguen en la piel, hilachitas de ella, uno se contagia. Pero creo, en definitiva, que tiene que ver con la humildad, con la certeza incuestionable, de que hay gente que puede hacer las cosas mejor que nosotros.
“Yo disfruto mucho de la pintura de todos los tiempos. Soy un espectador abierto. Disfruto tanto la pintura abstracta como la figurativa, soy bastante ecléctico en eso. Y además están, desde luego, los pintores que yo sigo desde siempre, los pintores carnales como Rembrandt, como Gutiérrez Solanas, como Picasso, como Goya”.
La próxima muestra
Se está gestando, no se sabe dónde se hará o si los cuadros alguna vez serán colgados, pero se está gestando. La obra que más importa es la que haremos mañana. Carlos sale al día a tutuearse con el dolor, con los recuerdos, pero también con la esperanza.  La obra bella de los humanos cuenta con él. Vive en Unquillo, pero sigue cantando por el Valle de Uco: “Mañanitas de mi Tunuyán….

http://www.jornadaonline.com/Mendocinos Famosos/107594

Lluvia de artistas para las próximas semanas de enero

 

El verano festivalero empezó a diseminarse desde el Sur de la provincia esta semana gracias a la Fiesta del Chivo de Malargüe, que en su grilla, que hoy termina, incluyó nombres como los de Abel Pintos, Luciano Pereyra y Los Nocheros. Ahora la tendencia continuará por distintos puntos del territorio provincial durante las próximas semanas y la cantidad y calidad de artistas que llegarán es abrumadora.

En orden de aparición. Este jueves el departamento de La Paz lanzará el 26º Festival de la Paz y el Canto de Cuyo. El encuentro se vivirá en el centro de deportes Juan Domingo Perón, del Complejo Deportivo y Recreativo de La Democracia, y se extenderá hasta el domingo. En la grilla resaltan números como el del Dúo Coplanacu y Los Huayra el jueves, el Negro Ferreyra y el Chaqueño Palavecino el viernes, Facundo Saravia y Juanón Lucero el sábado y Los Tekis el domingo, entre muchos otros. El abono para las cuatro noches tiene un valor de $90 y si no cada noche cuesta $30.

También en el Este, el próximo fin de semana Junín propone el XI Encuentro de las Naciones. El Parque Recreativo Dueño del Sol contará con la participación de colectividades del mundo entero, un paseo de artesanos, patio de comidas con diversas propuestas gastronómicas y una multiplicidad de propuestas culturales para el visitante. Los platos fuertes a nivel musical estarán en manos de Valeria Lynch la noche del sábado 18 y Los Caligaris durante el domingo 19.

Los últimos días de enero seguirán latiendo al pulso de los espectáculos musicales en el Este, esta vez en Rivadavia Canta al País, que comenzará a vivirse el lunes 27 con una previa de cuatro días.
Para esa instancia preliminar se esperan las visitas de La Barra y La Konga para la noche cuartetera del lunes, Piñón Fijo para el martes, Abel Pintos, el Negro Ferreyra y Juanón Lucero para el miércoles y Las Pastillas del Abuelo para el jueves.

El festival propiamente dicho comenzará el viernes 31 con Palito Ortega, Facundo Toro y Los Tekis, al día siguiente estarán Alejandro Lerner, Los Huayra y Leandro Lovato, y el domingo 2 de febrero concluirá con Alex Ubago y la murga uruguaya Agarrate Catalina. Las entradas cuestan $50 por día mientras que para la previa varían según cada jornada.

Para febrero se prepara el Festival Nacional de la Tonada en Tunuyán los días 6 al 9, que promete un escenario con más de 50 artistas entre los que figuran el Chaqueño, Víctor Heredia y Orozco-Barrientos. Y para mediados de febrero Guaymallén realizará su Festival del Camote, donde ya están confirmados Los Nocheros, Soledad y León Gieco.

http://www.diariouno.com.ar/espectaculos/Lluvia-de-artistas-para-las-proximas-semanas-de-enero-20140112-0022.html

Obras de arte para hermosear los ingresos a Tupungato

Alejandra Adi
adi.alejandra@diariouno.net.ar

Tupungato. El arado fue el invento más revolucionario de la agricultura. Los primeros fueron de madera y piedra, y luego empezaron a construirse con metal, para remover mejor la tierra y agilizar las cosechas.

Este viernes sigue siendo un símbolo de trabajo, tradición y cultura de la tierra. Por eso es el primer instrumento que será representado en una de las esculturas –tipo monumento– que se colocarán en los ingresos a este departamento, gracias a un proyecto cultural en el que participan alumnos y docentes de tres instituciones educativas.

Cambiar la idea de que “el arte es para unos pocos” por la certeza de que “todos podemos hacer arte” es uno de los objetivos de la iniciativa Contemplarte, surgida de la escuela artística Nº5-018. Alumnos, docentes y vecinos crearán esculturas que se ubicarán en Los Cerrillos, Zapata, Cordón del Plata y La Carrera, todas inspiradas en los cuatro elementos: tierra, aire, agua y fuego.

La primera de estas obras de arte ya está tomando forma. Es un arado de 10m de largo por 6m de ancho, que se ubicará en San José.

Los referentes escolares vienen recolectando desde hace meses hierro en desuso para la estructura principal. Se adicionarán tornillos, herraduras, restos de carros y tranqueras, vidrio y madera.

Dos instituciones se sumaron: el Centro de Capacitación para el Trabajo pone las instalaciones y las maquinarias para la confección, y los estudiantes de la escuela Ernesto Piaggi harán la construcción. Además, Vialidad local autorizó el proyecto para que las esculturas se ubiquen en las rutas elegidas. El Municipio colaboró con insumos.

“Queremos que sea una obra del pueblo, propia del habitante. Habrá lugar para colocar, por ejemplo, patentes de marcas de máquinas rurales”, dijo el profesor Homero Bossia.

http://www.diariouno.com.ar/mendoza/Obras-de-arte-para-hermosear-los-ingresos-a-Tupungato-20131227-0013.html

Así se denomina la campaña cultural que protagonizan alumnos de escuelas técnicas. Homenajes a la cultura del trabajo a través de los 4 elementos.

 

Esta semana, Tunuyán celebra la XXV Fiesta Provincial de la Cereza

Desde el 1 al 8 de diciembre en Vista Flores comienzan las actividades para conmemorar los 25 años de la fiesta.

Llega una nueva edición de la Fiesta Provincial de la Cereza y se celebra con todo. Desde el 1 al 8 de diciembre en Vista Flores, Tunuyán, comienzan las actividades para conmemorar los 25 años de la fiesta.

El 6, 7 y 8 de diciembre se invita a todos los vecinos al Club Social y Deportivo Unión desde las 20.30 donde habrá números artísticos, ballet y el esperado reconocimiento por una nueva fecha de la Fiesta Provincial de la Cereza.

http://www.sitioandino.com/nota/100445-esta-semana-tunuyan-celebra-la-xxv-fiesta-provincial-de-la-cereza/